Alors, vous allez écrire un scénario de film. C'est fantastique. Et si cela vous rend un peu nerveux, c'est aussi fantastique car cela veut dire que vous n'êtes pas seul. Après tout, l'écriture de scénarios n'est pas quelque chose que l'on apprend à l'école ou que l'on fait à un dîner. On a plus l'impression qu'il s'agit d'un art obscur pratiqué par des alchimistes reclus qui émergent de leur caverne uniquement pour une apparition trop courte lors de la soirée des Academy Awards.

Cependant, la vérité est que l'écriture de scénarios de films est à la portée de simples mortels. La mise en page d'un scénario, que vous pouvez apprendre à partir de notre document magique de mise en page,est plus facile que d’assembler étagère IKEA et 20 000 mots ne nécessitent même pas de devoir démissionner de votre emploi (bien qu'il n'y ait rien de mal à rêver). En effet, si vous avez déjà raconté une histoire dans votre vie, vous possédez déjà les connaissances de base nécessaires à la rédaction d'un film.

Ceci dit, nous avons inclus quelques astuces qui pourraient vous aider à rassembler vos idées autour de votre scénario et rendre un peu plus facile la rédaction du premier brouillon. Celles-ci servent à vous lancer; lorsque vous serez rendu plus loin dans l'écriture, de gentils elfes apparaîtront pour vous aider le long du parcours. Assurez-vous de garder quelques biscuits à portée de la main lorsqu'ils arriveront.

1) Aidez le brouillon

Tout le mois de juin sera généralement agréable si vous répétez simplement ces mots chaque matin devant un miroir : «Ceci est un brouillon. Ce n'est seulement qu'un brouillon.» Après tout, ils sont vrais. Vous êtes en train d'écrire un premier brouillon désordonné, imparfait. C'est le temps d'expérimenter, de prendre des risques et d'avoir des standards merveilleusement bas. Vous pourrez y revenir en mode perfectionniste et douloureusement prudent plus tard. Ou plus jamais.

Pensez à ces histoires à demi apocryphes que les auteurs professionnels adorent raconter à propos de leurs piles de brouillons de scénarios qui presque aussi hautes que leur mentons, ou comment ils ont été secourus par les pompiers lorsque leurs montagnes de versions successives se sont effondrées et les ont cloués au sol. La morale est : même les professionnels écrivent et réécrivent et arrangent et massent pendant longtemps avant d'atteindre le trompeusement simple génie d'un grand scénario. En cet instant, vous et votre scénario êtes uniquement en train de vous lancer sur la route, vous regardant amoureusement, pensant « Ceci pourrait être le début d'une belle amitié ».

2) Commencez à lire des films

MLa plupart d'entre nous peut parler sans cesse de nos scènes de films préférées, des revirements de situations et des fins heureuses. Alors pourquoi, lorsque vient le temps d'écrire un film, nous sentons nous en territoire complètement incertain? Serait-ce le fait que bien peu d'entre nous ont réellement lu un scénario? Eh bien oui, cela se pourrait.

Il y a un remède très facile et agréable à cela : lire des scénarios. Vous pouvez en trouver gratuitement sur Internet sur des sites tels Drew's Script-O-Rama etDaily Script, et Daily Script , et vous pouvez parcourir un film au complet en seulement quelques heures. Assurez-vous de lire le script original et non le script de tournage ou une transcription. Vous saurez que vous regardez la mauvaise version du script si vous voyez des scènes numérotées, des listes de plans ou des dialogues sans indentation.

Premièrement, essayez de lire le script d'un film que vous connaissez et que vous aimez. Faites attention à la façon dont les éléments familiers du film – histoire, personnages, environnement – ont été décrits au départ en utilisant du texte. Vous serez probablement surpris de la façon claire et efficace avec laquelle un scénario est écrit, comment elle comprend seulement l'information requise pour raconter l'histoire. Regardez comment les scènes sont reliées entre elles, comment le dialogue découle, comment les obstacles sont créés et surmontés.

Ensuite, lisez le scénario d'un film que vous n'avez jamais vu. Essayez d'imaginer le film terminé dans votre tête. Regardez ensuite le film et voyez comment le texte a été traduit dans un média visuel. Commencez à comprendre la relation entre le texte et le film. Commencez à apprendre la forme d'un scénario. Faites-le encore et encore et encore et vous n'aurez plus besoin d'autres astuces. Vous sentirez les scénarios dans vos os.

3) Choisissez une idée qui vous stimule

Jusqu'à un certain point, le vieil adage d' «écrire ce que vous connaissez» s'applique également aux scénarios, particulièrement pour les premières armes. C'est simplement plus facile d'écrire sur un environnement et des personnages familiers que d'inventer un jargon de la NASA réaliste ou des détails authentiques à propos d'une ruée de bêtes sauvages.

Ceci dit, vous écrivez un scénario pour explorer quelque chose de nouveau, pour vivre une aventure, pour sortir de votre vie quotidienne. Vous – et vos personnages – ne passerez pas à travers 30 jours et nuits d'écriture de scénario si votre sujet est si familier qu'il vous endort. De plus, il n'y a pas assez d'androïdes, de nains, de meurtriers psychotiques et de génies criminels aux alentours pour écrire tous les films de science-fiction, d'horreur et et de crime. Quelqu'un doit sauter la clôture.

Donc, écrivez une histoire qui vous stimule, que vous voulez raconter à vos amis, à laquelle vous pensez continuellement, qui serait un film que vous adoreriez aller voir. Ne vous inquiétez pas si c'est bizarre, pas à la mode ou qu’il n'y a pas de public. La meilleure chose que vous et votre scénario pouvez posséder est la passion.

4) Pratiquez le PVP (plan, vente, prévisualisation)

Bien que certains scénaristes professionnels définissent leurs films au complet avec un détail incroyable avant d'écrire un seul mot, le reste d'entre nous n'a pas le temps d'écrire une spécification de 100 pages ou une liste détaillée de scènes avant que juin ne dévale comme un astéroïde en direction de nos planètes personnelles. De plus, s'il s'agit de votre premier scénario, ce niveau de préparation ne sera probablement pas très valable si on considère tout ce que vous allez apprendre à propos de la vitesse et de la structure juste en écrivant – et tout ce que vous voudrez changer par la suite.

Ceci dit, ça aide de connaître l'histoire générale que vous allez raconter avant de commencer. Le plan peut être aussi simple que : «Quand un jeune homme perd son foyer et sa famille, il s'allie à un groupe de rebelles en guerre et éventuellement réduit à néant un empire démoniaque en utilisant une force interne et universelle.» Tant qu'il y a un début, un milieu et une fin, vous êtes sur la bonne voie.

(Par ailleurs, ces trois parties correspondent à la structure en trois actes utilisée dans tant de scénarios. Par peur de paralyser définitivement votre originalité, nous ne vous en dirons pas tellement plus sur la structure en trois actes – ou en sept actes, ou en un acte, ou n'importe quelle autre structure que vous pouvez retrouver en ligne ou même dans un séminaire à 1500 dollars. Rappelez-vous seulement que vous avez besoin d'un début, d'un milieu et d'une fin. Comme pour une bonne blague.)

Une façon d'aiguiser votre histoire est de la raconter verbalement à des gens. Inventez une version de 1 à 3 minutes de votre histoire et racontez-la à votre conjoint, vos amis, votre chien. Remarquez ce qui les (et vous) stimule, quelles sections semblent plus vagues, où vous perdez leur attention, quelles sont les questions qui en ressortent. Ceci est une forme de vente et, bien que la vente est habituellement utilisée à Hollywood pour la vente d'un script, c'est toujours un bon moyen de déterminer si vous comprennez votre histoire et si elle peut réussir un examen un peu plus minutieux. Si vous vous retrouvez à dire «... Je ne sais pas, et puis quelque chose arrive et change tout,» vous souhaiterez peut-être vous asseoir et faire un peu de brainstorming à propos de la nature de ce «quelque chose» et de ce «tout».

Une fois que vous avez un plan de base de votre histoire, il y a plein de façons amusantes de commencer à y penser en fonction de scènes principales et de revirements de situations. Une de ces façons est la prévisualisation. Essayez de vous asseoir et d'imaginer une bande annonce pour votre film. Quelles sont les images d'ouverture qui serviront à spécifier le ton? Comment rencontrons-nous le personnage principal? À partir de quel moment est le problème ou la problématique introduit? Et ensuite? Est-ce qu'il y a des moments tendus? Des extraits de dialogues amusants, révélateurs? Sur quel indice de résolution est-ce que ça se termine, laissant les spectateurs avides d'en avoir plus? Si vous avez le temps, choisissez une chanson ou une trame sonore pour votre bande annonce imaginaire (ou votre film en entier). Ou des images de magazines pour faire une affiche pour votre film. N'importe quoi qui vous stimule.

5) Apprenez à connaître vos personnages

Les gens ne vont pas au cinéma pour voir des situations effrayantes, romantiques ou stimulantes; ils vont voir des personnages mémorables réagissant à des situations effrayantes, romantiques ou stimulantes. Ce qui veut dire que votre but en tant que scénariste est de créer des personnages réels que le public voudra regarder, qu'ils tombent dans un volcan ou qu'ils tombent en amour.

Aucune idée sur la façon de procédér? C'est correct de commencer avec simplement une image de base de votre personnage : une jeune femme paresseuse dans le début de la vingtaine qui ne vit que pour la course de motocross. Un professeur de rhétorique à Oxford dans la mi-cinquantaine qui rêve de devenir une star du rap.

Mais ne vous arrêtez pas là car vous passeriez à côté du vrai plaisir. Essayez en fait de vous mettre dans la peau de votre personnage. Imaginez que vous êtes votre personnage principal et remplissez tous ces questionnaires amusants du magazine Cosmopolitan. Écrivez une annonce de rencontre. Passez un test de personnalité Meyers-Briggs. Remplissez une demande d'emploi. Demandez-vous «Qu'est-ce que cette personne mange, porte et écoute à la radio? Comment réagirait-elle si elle gagnait à la loterie ou si elle rentrait chez-elle et surprenait un cambrioleur ou si elle enlevait ses pantalons en public? Qu'est-ce qu'elle déteste? Aime? Pour quelle raison donnerait-il sa vie? Pour quoi tuerait-il? Comment a-t-elle fait pour aboutir à ce point dans sa vie au début du film?»

En créant des personnages et en complétant leur personnalités et leur passés, n'ayez pas peur d'ajouter des défauts majeurs et des faiblesses. À moins que ça ne soit sur la rampe d'une parade de mode, la perfection est ennuyante à regarder. En fait, les meilleurs moments de films surviennent lorsqu'un personnage se retrouve face à face avec ses défauts ou ses faiblesses. L'imperturbable Indiana Jones? Terrifié par les serpents. L'adorable Annie Hall? Névrosée et spasmodique. Hannibal Lecteur? Regrettables goûts alimentaires.

Finalement, ne vous concentrez pas uniquement sur votre héros, laissant le reste des personnages pris à Stéréotypeville. Les meilleurs scélérats possèdent une histoire riche et de la complexité; même les personnages secondaires méritent d'avoir des obsessions uniques et des caprices.
<
h3>6) Donnez à votre histoire un moteur d'un gazillion de chevaux-vapeur

À mesure que vous travaillez sur vos personnages et sur les lignes directrices de l'histoire, il est pratique de se rappeler que ce que vous écrivez sera éventuellement vu d'une traite en deux ou deux heures et demie. Ce qui veut dire que votre film doit couvrir beaucoup de chemin en un temps très court tout en gardant l'audience clouée à son fauteuil alors que sa vessie est mise à l'épreuve.

Considérant ces contraintes, votre histoire n'a pas beaucoup de temps pour lambiner ou tergiverser. Ce dont elle a besoin est d'un moteur qui peut passer de 0 à 120 dans le premier acte, grimper et survoler une chaîne de montagnes entière remplie d'obstacles et de reculs dans la section centrale et maintenir suffisament de vitesse pour naviguer directement vers la conclusion dramatique. Heureusement, vous pouvez démarrer ce moteur en trombe en ajoutant des situations et des motivations puissantes, significatives ou extrêmes dans votre scénario. Quelques exemples :

DIRECTION : Rien de fait avancer une histoire plus qu'un personnage qui sait où il va. Il suffit de regarder les grands films sportifs comme La Bande des Quatre (Breaking Away) ou Rocky ou Le Grand Défi (Hoosiers) et vous verrez qu'ils sont entièrement propulsés par le désir accablant d'une personne ou une équipe d'être les meilleurs. Imaginez maintenant à quel point vous voudriez regarder ces films si les personnages principaux ne s'intéressaient que modérément la victoire. Ils s'effondreraient dès la première tension.

OBSTACLE OU MENACE : Il n'y a rien comme une situation de vie et de mort pour donner un peu de tension à votre film. Independence Day, Coeur Vaillant (Braveheart) ou Misery sont tous des exemples de films populaires qui prennent leur carburant dans l'extrême des situations dans lesquelles les personnages se retrouvent.

THÈME : Si vous écrivez un film terre-à-terre, vous vous demanderez peut-être ce que ces trucs à faire défoncer le box-office ont à voir avec vous. Mais le besoin de puissance s'applique aussi bien aux films de répertoire et aux films à personnages. Pensez au Cri des larmes (The Crying Game) ou Retour à Brooklyn (Requiem for a Dream) ou My Dinner With André. Ce qui en fait des films si prenants est leur traitement de thèmes universels et puissants : le désespoir, l'existentialisme, l'identité, l'amour. Leur moteurs ronronnent silencieusement, mais ils sont étonnament puissants.

Alors commencez à regarder dans votre hangar mental pour quelque chose à utiliser pour construire votre moteur. Si vous êtes stimulé et ému par votre histoire, cela ne devrait pas être trop difficile à trouver.

7) Accueillez le changement

Que vous en soyez conscient au cinéma ou non, le changement est habituellement ce qui fait que les films soient aussi satisfaisants émotionnellement. L'intérêt de Spider-Man n'est pas de regarder un super-héros expérimenté se balancer entre les édifices et de botter le derrière d'un méchant; c'est de regarder un adolescent nerd et maladroit se transformer graduellement en super-héros qui se balance entre les édifices et qui donne des raclées. La puissance de Pour le meilleur et pour le pire (As Good As It Gets) n'est pas de regarder un Jack Nicholson misanthrope donner des coups de pied aux chiens, mais de voir sa croissance maladroite en réponse à l'amour. Et même si La Liste de Schindler (Schindler’s List) se déroule dans la vaste et émouvante réalité de l'Holocauste, le drame provient néanmoins du changement d'attitude d'un seul homme.

Le changement, ou son absence, est aussi une des meilleures façons de révéler un personnage à votre public. Quand l'acteur de Tootsie se frotte à d'innombrables obstacles en se faisant passer pour une femme et qu'il persévère tout de même, cette absence de changement révèle sa détermination totale à son art. Quand il se débarrasse de son costume au sommet de sa carrière, ce changement de cap à 180 degrés prouve la profondeur de son amour pour sa co-vedette. Il a accompli un trajet de “centré sur lui-même et désespéré” à “réussite de soi et plein de compassion”. Et c'est très émouvant à regarder.

Considérant l'importance du changement, ce n'est pas une mauvaise idée de coller un Post-It avec “VOUS AVEZ DU CHANGEMENT?” sur votre ordinateur portable ou sur votre front. En écrivant, allez de l'avant et mettez vos personnages dans des situations difficiles qui les forcent à choisir. Ne les laissez pas s'en sortir facilement : lancez leur des balles courbées, faites-les chevaucher des reculs, mettez les dans le sens contraire du trafic émotionnel. Est-ce qu'ils changent ou non? Pourquoi? Si vous leur donnez une motivation suffisamment puissante, ils feront des choix très intéressants. Si vous leur fournissez des défauts et des faiblesses, ils auront beaucoup d'espace pour grandir. Et le public adorera les accompagner sur la route.

8) Action : écrivez un plan

Contrairement à un roman, un essai ou un poème, qui sont des entités entières, un scénario est un plan pour un futur film. Il est au film ce que les partitions sont à un concert symphonique ou ce qu'un plan est à un édifice. Il vient au monde plus tard, dans un médium complètement différent.

Ce que cela veut dire est que quand vous commencez à écrire, toute l'information d'un scénario doit éventuellement être traduite en images ou en sons, les deux langages jumeaux d'un film. Ceci est relativement facile à gérer quand on écrit un dialogue, puisque des personnes qui discutent se traduit plutôt bien en une image et un son. Mais écrire de l'action et des descriptions est une tout autre histoire. Particulièrement pour ceux qui ont écrit un roman ou une autre prose, ce processus de traduction – et ses pièges – nécessitent de s'y habituer. Ça se passe un peu comme suit :
Vous écrivez :

Sarah se tient à la fenêtre, pensant à ce que Jessie a dit dans le silo à grains. La manière dont il se tenait, nerveux, avec une main se grattant l'arrière du crâne lui donnerait toujours le goût de l'embrasser. Mais elle ne pouvait dorénavant plus le faire. Plus maintenant, sachant que c'est lui qui avait kidnappé le chien saucisse.

Ce que le public voit :

Sarah qui se tient à la fenêtre, regardant dans le vide pendant un bout de temps, puis fronçant les sourcils.

Vous comprenez l'objectif : si c'est un dialogue interne ou un processus de pensée ou un souvenir ou n'importe quoi qui se trouve dans la tête de quelqu'un, ça ne se retrouvera pas sur l'écran à moins d'être traduit en une image et en un son. Mais ne paniquez pas. Si vous écrivez des pensées dans votre scénario, vous pouvez retourner en arrière et les traduire de façon visuelle et sonore. Comme ceci.
Example: Putting it all together

Vous voyez? Des standards de bas étage sont les amis de tout le monde.

9) Dialogue : Faites-le réel et irréel

Écrire de bons dialogues est une forme d'art de précision, en haut de la liste avec le curling et la diplomatie au Moyen-Orient. Et à part la bonne vieille pratique, la meilleure façon d'apprendre à écrire des dialogues est d'écouter la manière de parler de vraies personnes. Est-ce qu'elles sont laconiques ou bavards? Est-ce qu'elles utilisent de l'argot ou des idiomes? Comment leur sexe, leur âge, leur classe sociale, leur culture et leur personnalité est reflétée dans leur manière de parler et leur choix de mots?

N'écoutez pas seulement vos amis et votre famille. Cherchez des personnes et des situations qui ressemblent aux personnages et à l'environnement de votre scénario. Assoyez-vous avec l'équipe de basket-ball du lycée; aller voir le discours d'ouverture dramatique de l'avocat d'un procès; parlez avec la serveuse qui mâche un chewing gum dans un café sur le bord de la route. Devenez un anthropologue linguistique et un détective de la diction. Et traînez un cahier de note dans votre poche en tout temps – ces petits échanges dans la vraie vie valent leur pesant d'or.

Évidemment, après avoir écouté la façon de parler de vraies personnes pendant un certain temps, vous remarquerez quelque chose : personne n'est aussi amusant, brillant ou bref qu'on ne l'est dans un film.

VRAIE VIE :
«Ouais, je suppose que je savais que je t'aimais depuis ce premier jour, tu sais, quand je t'ai vu et que je disais “Wow, il est très cool”».

FILM :
«Tu m'as eue au “Bonjour”».

Puisque personne ne va au cinéma pour voir des gens faire des “hem” et des “ha” ou de marmonner (bon, sauf pour ce Benicio del Toro inintelligible dans Suspects de convenance (The Usual Suspects)), il est acceptable de rendre votre dialogue plus vif, plus percutant et plus direct que réaliste. Il devrait être réel mais irréel.

Le meilleur test : lisez votre dialogue à voix haute. Est-ce qu'il se déclame bien? Est-ce qu'il est trop long ou artificiel? Est-ce qu'il sonne vrai? Demandez à vos amis et vos proches de lire les autres personnages; demandez à ce joli garçon au café de lire la scène d'amour avec vous. Invitez des acteurs locaux à faire une lecture. Peu importe ce que vous faites, ne laissez pas le dialogue vous ralentir. Quand vous ne trouvez rien d'intelligent ou de spécifique à dire, écrivez quelque chose de banal et épicez-le dans le prochain brouillon. Votre meilleure ligne viendra plus tard, dans la douche, dans le métro et dans ces drôles de rêves que vous avez. Pour l’instant, continuez d’écrire.

10) Amusez-vous

Si vous avez des problèmes avec ceci, voyez l'astuce 1. Vous aurez amplement le temps d'être misérable et stressé une fois que les studios auront commencé à vous engager pour écrire des succès pour des centaines de milliers de dollars. Pour l'instant, savourez vos jours de salade Script Frenzy
.

Bon. Voici le grand moment, celui qui vous causait de l'insomnie : la mise en page du scénario. Après avoir fait les cent pas, s'être rongé les ongles et s'être contemplé dans le miroir, nous ne savons pas trop comment vous l'annoncer solennellement, mais... c'est assez simple. Apprendre les règles du backgammon : plus difficile. Construire un feu sans papier journal : encore plus difficile. Trouver un maillot de bain qui améliore votre silhouette : absolument plus difficile.

Mais ne nous croyez pas sur parole. Prenez une grande inspiration et poursuivez votre lecture.

Le B-A-BA
Environ 99% de votre script concernera seulement quatre éléments : les intitulés, l'action, les noms des personnages et le dialogue. Apprenez la mise en page pour ces Quatre Grands et vous êtes sauf.

1) Intitulés («Sluglines»), also known as Scene Headings. These appear at the beginning of a new scene and tell us the scene's setting. They look like this:

Iaussi connus sous le nom de «Entêtes de scène». Ils apparaissent au début d'une nouvelle scène et nous indiquent l'environnement de la scène. Ils ressemblent à ceci :

INT. CHAMBRE FORTE DE LA BANQUE – NUIT

Ou à ceci :

EXT. STADE DE FOOTBALL – FIN D'APRÈS-MIDI

Les intitulés sont constitués de ces trois éléments :

 

2) Endroit. Où la scène se déroule. Ils devraient être courts : COMPTOIR DE PRÊT DE LA BIBLIOTHÈQUE ou PARC DE MAISONS MOBILES ou CERVEAU D'AL.

3) Temps. Habituellement simplement JOUR ou NUIT mais peut être aussi spécifique que 4:59 AM (si la bombe doit être détonnée à 5:00, disons)

1) INT. ou EXT. – Abbréviations pour Intérieur et Extérieur, ceci indique à l'équipe de production s'ils devront ou non prévoir de l'écran solaire lors du tournage.

Les intitulés sont toujours EN MAJUSCULES. Il y a habituellement deux espaces entre INT. / EXT. et l'Endroit, puis un autre espace, un tiret, un espace entre Endroit et Temps.

Occasionnellement, vous aurez besoin d'un Sous-Endroit pour clarifier l'Endroit. Ça ressemble à ceci :

INT. MAISON DE DONALD – SALLE DE BILLARD – NUIT.

Rappelez-vous, une nouvelle scène survient à chaque fois qu'il y a un changement dans le Temps, l'Endroit ou les deux. Vous écrirez donc beaucoup d'Intitulés.

2) Action. Ceci décrit ce qui se passe à l'écran et quels personnages, s'il y en a, en font partie. Ça ressemble à ceci :

INT. MAISON DE DONALD – SALLE DE BILLARD – NUIT.

Béatrice avance à tâton dans la pièce mise à sac. Baguettes, livres, papiers – tout a été fouillé. Elle s'arrête pour ramasser la photo d'un jeune garçon.

À part dans quelques exceptions dont nous parleront plus tard, l'Action suit les règles standards en ce qui a trait aux majuscules. On utilise l'interligne simple et le présent de l'indicatif. (Si l'action s'est produite dans le passé, l'Intitulé nous l'indiquera. Merci, Intitulé.)

De plus, vous avez toujours besoin d'Action après un Intitulé, même si ça tient sur une ligne. Comme ceci :

EXT. RITZ-CARLTON – JOUR

La limousine s'enflamme.

3) Nom du personnage. Ceci apparaît toujours au dessus du Dialogue et nous dit quel personnage parle. Ça ressemble à ceci :

VERONICA

Ou ceci :

YO-YO PARLANT

Les noms des personnages sont toujours en MAJUSCULES.

Et parfois il y aura des personnages mineurs que vous ne voudrez pas nommer. C'est correct de les appeler simplement COMMIS ou PIÉTON ou SINGE GUERRIER. S'il y a plusieurs personnages du même type, ajoutez un numéro : FLIC #1 ou CULTURISTE #2.

4) Dialogue. Les mots que le personnage prononce. Ça se présente comme suit :

Exemple: dialogue indenté

or this:
Exemple: dialogue indenté

Le Dialogue est à interligne simple et suit les règles standard en ce qui a trait aux majuscules (s'il est entièrement en majuscules, vous êtes probablement en train de lire un scénario de télévision). Contrairement au roman, il n'y a pas de guillemets autour du Dialogue, à moins qu'un personne ne cite quelqu'un.

Maintenant, voici un exemple de la combinaison des quatre éléments dans une page :

Example: All Four Elements

Presto! Vous avez possédez maintenant les quatre fondations dont vous aurez besoin pour écrire un scénario. Avant de continer dans les points plus précis des variations, marges et autres détails, donnez-vous une bonne tape sur l'épaule.

VARIATIONS D'INTITULÉS

Maintenant que vous avez appris à rédiger un Intitulé standard, voici quelques variations qui peuvent se préduire dans des cas spécifiques:

1) Si la scène commence dans un Endroit général, disons LA MAISON DE LAUREL, et qu'elle se poursuit alors que les personnages se déplacent entre les Sous-Endroits, comme la CUISINE et le SALON, vous n'avez pas besoin de répéter l'Endroit ou le Temps avec chaque intitulé. Vous pouvez faire ceci :

Exemple: Intitulés à l'intérieur de Scènes

Avec un peu d'aide de la part du contexte, nous comprenons que les deux personnages se déplacent dans la maison dans un temps continu.

2) Dans la scène ci-dessus, quelques écrivains utilisent « CUISINE – EN CONTINU » pour mettre l'accent sur le flux régulier du temps. Mais ce n'est pas nécessaire. À la place, EN CONTINU est mieux utilisé pour des scènes stylisées où une conversation ou action se poursuit à travers plusieurs Endroits. Par exemple :

Exemple: Action continue

3) Enfin, si une scène se produit dans un Endroit, est suivie du même endroit mais se déroule plus tard, les mots PLUS TARD peuvent être utilisés dans l'Intitulé.

Example: Action continue

COUPURES ::

Autrefois, il était standard d'utiliser les mots «COUPER À:» pour indiquer un changement de scène. De nos jours, la coupure qui vient avec un changement de scène est implicite à un nouvel Intitulé et COUPER À n'est plus tellement utilisé.

Le meilleur temps pour utiliser COUPER À est quand vous voulez vraiment mettre l'accent sur la juxtaposition ou le changement entre deux scènes. Comme ceci :

Exemple: Coupures
Notez que vous pouvez voir des auteurs utiliser des termes comme COUPURE SAUT ou COUPURE SMASH pour indiquer des montages ultra rapides et très directs. Si utiliser COUPURE DE TYPE BRUCE LEE QUI FAIT DU KARATÉ vous fait vous sentir comme un méchant garnement, alors allez-y; sachez seulement que plusieurs pros considèrent que cela fait «amateur». De plus, peu importe la façon dont c'est écrit, une coupure se produit toujours en 1/24 de seconde - le temps qu'il faut pour passer d'une image à l'autre.

SÉQUENCES D'ACTION :

Écrire une séquence d'action peut demander de la pratique, alors que vous apprenez à traduire ce que vous imaginez en mots. Lire des scénarios d'action bien écrits comme Les Aventuriers de l'arche perdue (Raiders of the Lost Ark) ou La Filière française (The French Connection) peut certainement aider à vous indiquer comment c'est fait.

En général, gardez à l'esprit que la façon dont vous écrivez l'action devrait représenter sa vitesse. Plus rapide est l'action, plus vous devrez la séparer en petits morceaux. Soyez à l'aise d'utiliser des fragments pour garder le rythme rapide. Vous pouvez aussi utiliser les majuscules pour mettre l'accent et attirer l'attention sur des éléments. Comme ceci :

Exemple: Action

PLUS DE DÉTAIL

Parenthèses: Elles sont utilisées à l'intérieur du dialogue pour décrire ce qu'un personne fait simultanément, à qui elle parle ou la façon dont il parle. Elles ressemblent à ceci :
Exemple: Parenthèses

Les parenthèses sont toujours sur leur propre ligne. Si elles atteignent la marge de droite, elles se poursuivent sur la ligne suivante, tel qu'illustré plus haut.

Les parenthèses prennent également de la place, ralentissent le rythme et ennuient les comédiens, qui n'aiment pas se faire dire la façon dont ils doivent dire leurs répliques. Donc, n'utilisez les parenthèses que lorsque leur absence mènerait à la confusion, comme dans ce cas-ci :

Exemple: Parenthèses

Voice Over (V.O.) : Utilisé quand un personnages ou un narrateur peut être entendu alors qu'il parle à partir d'un endroit inconnu (le futur, le paradis, l'intérieur de notre tête). Ça ressemble à ceci :

Exemple: Voice Over

Off Screen (O.S.): Utilisé quand un personnage dans la scène peut être entendu mais n'est pas présent à l'écran. Ça ressemble à ceci :

Exemple: Off Screen

Majuscules à l'intérieur de l'Action : La première fois que le nom d'un personnage apparaît dans l'Action, il est entièrement en MAJUSCULES.

Plusieurs auteurs utilisent également les MAJUSCULES quand un effet sonore apparaît dans l'Action. D'autres écrivent en majuscules les objets importants. Ça se lit comme suit :

MORTIMER râle et sort une poignée de cachets d'aspirine. La bouilloire SIFFLE. Mortimer sort un SUPER BLASTER SUB-PARTICULE et fait voler en miettes la bouilloire.

Instructions de caméra: Celles-ci indiquent le point de vue de la caméra, la façon dont elle se déplace, le focus, etc. Les directions incluent les points de vue des plans, les travelings latéraux, avant et arrière, les soubresauts, caméras subjectives, gros plans, plans larges, etc.

Il est incroyablement tentant, en tant que maître d'oeuvre de l'histoire, de faire la mise en scène de votre film sur la page en utilisant des instructions de caméra. Résistez à cette tentation. Vous n'êtes pas le réalisateur (pour l'instant). À moins qu'il n'y ait absolument aucun autre moyen de communiquer une séquence visuelle sur laquelle dépend toute l'histoire, laissez tomber les directions de caméra.

Numéros de pages: Ils vont dans le coin supérieur droit. Il n'y a pas de numéro sur la première page d'un scénario.

Numéros de scènes: NE METTEZ PAS de numéros de scènes sur vos scènes. Ils sont réservés au script de tournage et sont utilisés pour aider l'équipe de production à planifier l'horaire du tournage.

Page couverture: Centré sur la page, ## lignes vers le bas, se trouve le titre de votre film EN MAJUSCULES, puis un interligne double et un «par», un autre interligne double, et «votre nom».

Dans le coin inférieur droit, ## caractères vers la droite et ## lignes vers le bas, inscrivez votre nom, votre adresse de correspondance, numéro de téléphone, e-mail et, si vous avez décidé d'enregistrer votre script auprès de la Writer's Guild, votre numéro d'enregistrement de la Writer's Guild.

POLICE DE CARACTÈRE, MARGES ET ESPACEMENT

Les scénarios vivent sur du papier au format Lettre (8.5 pouces par 11). Ils sont toujours écrits avec la police Courier, taille 12, interlettrage 10. Sans gras ni italiques.

Marges de pages :
Gauche : 1,5 pouces
Droite : 1 pouce
Haut : 1 pouce
Bas : 1 pouce

Marges pour les éléments d'un scénario :

• Intitulé : marge de gauche de 1,5 pouces
• Action : marge de gauche de 1,5 pouces
• Nom de personnage: marge de gauche de 3,7 pouces
• Dialogue : marge de gauche de 2,5 pouces, marge de droite de 2,5 pouces (ou 6 pouces à partir du bord gauche de la page)
• Parenthèses : marge de gauche 3,1 pouces, marge de droite 2,9 pouces

Interlignage entre les éléments :

• Entre Intitulé et Action : interligne double
• Entre Action et plus d'Action : interligne double
• Entre Nom de Personnage et Dialogue : interligne simple
• Entre Dialogue et Nom du prochain Personnage : interligne double
• Entre Dialogue et Action : interligne double
• Entre Nom de Personnage et Parenthèses : interligne simple
• Entre Parenthèses et Dialogue : interligne simple
• Entre Action et Intitulé : interligne double
• Entre Dialogue et Intitulé : interligne double

Vous savez, il est probablement plus facile de se rappeler qu'entre une seule réplique de personnage, contenant le Nom du Personnage, le Dialogue et possiblement une Parenthèse, il y a un interligne simple entre les éléments. Entre n'importe quoi d'autre, interligne double.

Modèles Microsoft Word :
Américain (utilise les Styles)
A4 avec système métrique (utilise les Styles)

Modèle Open Office :
Américain Pour ouvrir, sauvegardez ce template en utilisant «Enregistrer le lien sous» et ouvrez le ensuite à partir de votre bureau. Merci, Grady Pruitt!)

Toujours un peu confus? Voici un court scénario qui vous guidera à travers la mise en page. Il a été écrit par notre Liaison municipale d'Orange County, TSEdiot, et met en vedette quelques membres du personnel de notre Office of Letters and Light!