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    Le mind mapping pour construire un scénario

    jeudi 30 juillet 2009, par Benoît Labourdette.

    L’une des premières difficultés d’écriture du scénario est la construction macroscopique, c’est à dire le sens général de la narration.

    Oublions Syd Field

    Il existe, bien entendu, la fameuse « Structure en trois actes », chère à Syd Field (cf. son livre réputé Screenplay), qui vise à faire tenir toute histoire dans un canevas universel, mais ce type d’approche ne fonctionne qu’après que le scénario soit écrit. Avant l’écriture, pendant l’écriture, si l’on commence à enfermer son désir et sa créativité dans un carcan logique, on n’ira pas bien loin. Dans le processus d’écriture, il faut avancer, découvrir, défricher, chercher, et c’est dans cette complexité là, cette complexité de la vie, que des choses qui ont du sens pour nous, donc qui sont susceptibles d’en avoir aussi pour un spectateur, pourront émerger.

    Le mind mapping

    Le mind mapping est une technique de mémorisation, de brainstorming, d’organisation rapide des idées. On utilise un logiciel comme Mind manager (le meilleur, mais payant), ou Free mind (gratuit, un peu moins ergonomique), et on « jette » littéralement l’idée principale du film, de préférence le titre provisoire, ou le thème sur lequel on a envie de travailler. Je prends un exemple, la vieillesse.

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    Mind map 1

    Ensuite, on « jette » les idées qui nous viennent, tout de suite, par association, les unes après les autres, autour du thème central.

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    En quelques secondes, les idées viennent. Ensuite, il convient des les organiser, les répartir en groupes plus clairs.

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    Cela pourrait être une structure pour écrire un article de journal sur la vieillesse, mais nous avons le projet d’un film. Donc, commençons à répartir les choses dans ce sens.

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    On voit que la mind map change de sens, qu’on répartit au fur et à mesure les idées dans un cadre qui devient celui d’un projet de film. On ajoute, un à un, en vrac, comme ça vient, les idées, puis on les organise. On va vite, les idées s’enchaînent, s’entraînent les unes les autres, par cette vision du tout. Le travail d’écriture accompagne et mime le mouvement de la pensée.

    On a même indiqué les notions de budget, de lieux de tournage, etc. c’est à dire le cadre de contraintes, qui du coup devient présent à l’esprit, et qui, au lieu d’être une entrave, devient un adjuvant au processus d’écriture.

    La page blanche

    On voit que la technique du mind mapping est un formidable antidote à la page blanche. Par l’aspect visuel, par la spontanéité que cela apporte, c’est d’une grande aide pour « débloquer ses idées ».

    La structure globale

    Cet outil de travail peut aussi être très utile pour construire la structure globale du film : où ce film a-t-il l’intention d’amener le spectateur et pourquoi. C’est le type de question qu’il est indispensable de se poser, tout le temps, autant au début de l’écriture qu’au milieu ou à la fin. Travailler à sa vision d’ensemble est vraiment essentiel, surtout lorsqu’on avance dans l’écriture, qu’on a le « nez dans le guidon », et qu’il peut arriver qu’on se perde en chemin. Rassembler ses idées, en faisant une mind map (en français : carte heuristique) à intervalles réguliers est d’une grande aide.

    La mind map pour tout ?

    Le défaut de la mindmap intervient lorsqu’il commence à y avoir beaucoup d’informations. Là, elle devient difficile à manipuler, et peut, parfois, même bloquer la vision d’ensemble, car il y a trop d’informations partout et on s’y perd. Cela demande une grande maîtrise de l’outil informatique, pour la plier-déplier rapidement et se déplacer dedans. On peut se débrouiller avec de grandes mind map et en tirer bénéfice, mais il faut une assez longue expérience de Mind Manager (pour cela Freemind trouve vraiment sa limite). Je ne pense pas que la mind map soit l’outil qui serve à tout pour écrire un scénario (même si, techniquement parlant, on pourrait même tout écrire avec, ce qui donne une grande facilité pour intervertir des scènes par exemple). Par contre, à intervalles réguliers, pour avoir des idées et les remettre en place, c’est un outil précieux !

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  • Introduction à l'écriture de télévision

    Télévision besoin de plus de bons écrivains. Quelqu'un doit dire aux petites gens qui vivent dans cette zone ce qu'il faut dire et quand le dire, et cela, mes amis, c'est là que vous intervenez!

    Il n'y a pas une personne télévision aujourd'hui d'écriture qui n'a pas commencé assis seul à son bureau, en se demandant qui est le diable qu'ils essayaient de tromper. Ce qui les rend spécial, c'est qu'ils ont commencé. Ils ont peiné à travers elle. Et ils ont fini. Il s'avère que, le secret le mieux gardé de la télévision est continuer à écrire .Rappelez-vous que, et vous serez en sirotant lattes avec Tina Fey avant que vous pouvez dire «juré rural." (C'est un toughie.)

    Si vous n'avez jamais écrit un script de télévision avant, n'ayez pas peur, que vous vous déplacez à travers les pointeurs ci-dessous, vous aurez probablement réaliser que la plupart d'entre eux sont déjà une seconde nature. Comme le catalogue de chansons des Beatles ou le spectre de couleurs dans un sac de M & Ms, il ya une bonne structure de la rédaction de la télévision par hasard est déjà ancrée dans les profondeurs de votre psyché. Tous les samedis soirs passé à l'intérieur sur le canapé devant le petit écran n'y a pas plus d'heures gaspillées. Oh, non. Vous faisiez des recherches , et tout ce travail acharné est sur ​​le point de porter ses fruits!

    11 étapes pour Serious TV écriture Maîtrise

    1) Regarder plus de TV

    Avant de commencer, vous voudrez peut-être vous prenez un cahier et quelques stylos. Puis glisser dans quelque chose confortable, rouler sur le canapé, et se mettre au travail. Regardez tout. Regarder quelque chose. Ceci est votre chance de se rattraper sur cette liste TiVo, ou mettre à jour le plan Netflix à cinq mois.Essayez de voir que de nombreux épisodes de vos séries préférées que possible, et même boue à travers quelques-uns que vous détestez. Mais ne vous laissez pas dériver dans cette magique molle dysphorie, en contrebas des yeux que nous avons tous vécu après quelques heures devant le tube. Si vous voyez des étoiles, ou de la difficulté à se souvenir des noms de vos enfants, alors il est temps pour l'éteindre. Rappelez-vous, c'est votre travail et votre travail numéro un est de rester engagé .

    Comme vous le regardez, notez les points d'intrigue intéressante ou un dialogue qui semble particulièrement drôle et efficace. Posez-vous des questions telles que: Pourquoi ai-je ris à cette blague? Pourquoi ai-je casser une sueur juste avant cette pause commerciale? Pourquoi ai-je m'ennuie et changer de chaîne?Écrivez vos pensées. Ce sera une référence essentielle comme vous plonger dans votre propre matériel et de travail pour créer des scénarios qui affecteront votre auditoire de la même manière que vous ont été affectées. En vous connectant vos réponses, vous gagnerez également un aperçu de votre propre aime et n'aime pas, et ce sera un outil particulièrement utile dans le choix de votre genre de script et le format. Alors y arriver! Prenez ce pop-corn, dépliez votre ordinateur portable, et soyez prêt à se livrer à des heures-upon-heures de culpabilité TV! 2) Spec ou ne pas Spec
     

    Il ya dix ans, si vous vouliez être un scribe de télévision, il y avait juste une façon de percer dans le «biz. Vous deviez commencer par écrire deux ou plusieurs épisodes de faux pour des spectacles existants sur la «spéculation» de l'achat, ou «par hasard». Ensuite, vous essayez d'obtenir ces scripts dans les mains des écrivains à la tête de l'émission, et nous espérons qu'ils aimaient assez pour vous embaucher en tant que pigiste (ou, dans des cas spéciaux, comme un écrivain du personnel pour le spectacle). Après des années de vous prouver, vous pouvez sortir sur votre propre en parquant un script «pilote» pour une série originale, et si cela s'est ramassé, vous eu une chance de devenir un «showrunner» de votre propre spectacle.

    Cela a ensuite été. C'est maintenant. Aujourd'hui, les agents littéraires et execs de développement sont tout aussi susceptibles de poser un écrivain non prouvée pour un script de pilote car ils sont pour une spec. Certains folk développement préfèrent même aux pilotes de son spec, comme les scripts de pilotes tendent à montrer la voix unique d'un nouvel auteur, plutôt que de sa capacité à copier quelqu'un d'autre.

    La spécification a toujours sa place, cependant, et de nombreux nouveaux auteurs utilisent encore comme un moyen de comparer leur écriture à celle des professionnels, ou pour montrer leurs talents dans différents genres. Rédaction d'un spec peut aussi être plus facile que l'écriture d'un spectacle original, puisque vous n'avez pas besoin de mettre en place les personnages ou leur monde. Si vous deviez écrire une spécification pour Buffy the Vampire Slayer , par exemple, vous pourriez commencer à droite avec Buffy et Angel échange cracher et se prélasser dans une tombe sans expliquer que a) Angel est un vampire avec une âme, b) Buffy est une tueur en amour avec un vampire, et c) les tombes sont des lieux tout à fait souhaitable pour ces types de romans. Dans un spec, vous pouvez supposer que vos lecteurs connaissent déjà le spectacle, et vous pouvez sauter à droite et arriver à la bonne substance!

    Ainsi, la première décision que vous devez faire est de savoir si à écrire une spécification ou un pilote d'origine. Chacun d'eux sera un outil utile pour commercialiser vous-même comme un écrivain, donc la question est vraiment à vous. Avez-vous imaginé le scénario décalé parfait pour How I Met Your Mother , ou voulez-vous lancer la prochaine grande série policière de combler le vide laissé par The Wire ? Hey-avec 100 pages à écrire, pourquoi ne pas faire les deux?

    3) Connaître son spectacle

    Si vous songez à écrire une spec, commencer par se concentrer sur les plus récents, les plus frais, montre surtout hautement cotées au sein d'un genre que vous aimez. Une sitcom aujourd'hui n'est pas une sitcom en 1990. Personne ne veut lire un flambant nouvel épisode de Alf . Votre spec doit être d'une émission de télévision en cours encore en production , et j'espère que celui qui sera sur les ondes d'ici trois ans, de sorte que votre script va continuer à se sentir actuel.Un programme comme The Simpsons est un spec populaire parce que cette émission sera en production bien après Chelsea Clinton a lancé sa candidature présidentielle. Et c'est ce que vous voulez, un spectacle avec les jambes, qui est étroitement rédigés et bien connus pour les futurs lecteurs. Certains des choix populaires sont en ce moment 30 Rock, The Big Bang Theory, et Mad Men .

    Une fois que vous avez ciblé un spectacle, essayer de mettre la main sur un épisode écrit. Google vous servira bien ici, tout comme des sites commedailyscript.com et hollywoodbookcity.com . Si vous avez un cousin nuits de travail à CBS, maintenant serait aussi le temps de lui donner un coup de fil! Faites tout votre possible pour traquer un épisode de votre émission. Les particularités de mise en forme de votre émission devraient être reproduits dans votre spec, et tu vas avoir besoin d'un script pour savoir de quoi il s'agit. Contrairement aux scripts de films, toutes les émissions de télévision sont formatées différemment, et vous voulez que votre spec à regarder comme un vrai épisode autant que vous voulez à lire comme un (voir comment formater un script de télévision ). Modèles pour de nombreux spectacles actuels sont également fournis avec le logiciel scénarios tels que Final Draft et scénariste, mais vous aurez toujours envie de voir un vrai scénario pour avoir une idée de la façon dont il lit sur ​​la page.

    Si, en revanche, vous envisagez d'écrire votre propre pilote, commencez par regarder toutes les émissions au sein de votre genre actuellement de faire des vagues. Prenez note de la façon dont ils sont structurés, lorsque les pauses publicitaires arrivent dans une demi-heure par rapport spectacle d'une heure, et quels types de thèmes et de situations comprennent les principaux scénarios.La télévision est un peu comme l'industrie de la mode et les styles d'écriture et les intrigues de nouveaux spectacles peut varier radicalement de la saison précédente. Lorsque le tangage TV, vous ne voudrez plus jamais se présenter sur la piste portant des pantalons MC Hammer et une poche de la hanche.Essayez d'obtenir une poignée sur votre sujet, et de savoir comment votre pilote est semblable et différent de spectacles en cours dans son genre.

    4) Connaître son auditoire

    Un énorme différence entre l'écriture des films et écrit pour la télévision, c'est que lors de l'écriture pour le petit écran, vous devez tenir compte en permanence la capacité d'attention de votre auditoire. Pensez-y un public de cinéma a acheté son billet de 10 $ et est essentiellement enfermés dans leurs sièges pour les deux prochaines heures. Ils ne peuvent pas changer de chaîne. Ils ne peuvent pas s'égarer dans la cuisine, ou répondre au téléphone. Mais pas dans la télé!En fait, beaucoup de gens semblent être à la recherche d'une raison pourchanger de canal. Il ya tellement d'autres choix-Il ya sûrement quelque chose de plus amusant que cela.

    Pour vous assurer que vous garder l'attention de votre auditoire vous devez d'abord savoir qui est votre public est . Et comment voulez-vous faire? Regardez les publicités! Les entreprises de marketing dépensent des millions de dollars que nous parlons, en s'assurant que les bonnes annonces sont jumelés à des spectacles offrant des produits aux bons consommateurs. Si vous écrivez une spec, quels types d'acteurs apparaissent dans les publicités? Qui sont-ils ciblent? Si vous écrivez un pilote, regarder les publicités de vos concurrents potentiels. Sont-ils Doritos annonces ou des publicités de banque d'investissement? Sont-ils vendent détergent ou Legos? Vous pouvez en apprendre beaucoup sur un spectacle en sachant qui est le regarder.

    5) Obtenez de brai

    -Vous avez bien choisi votre émission de spec, ou compris votre angle pour le prochain grand sitcom. Vous avez aliéné famille et les voisins rester debout toute la nuit des rediffusions de capture, et maintenant vous êtes prêt pour la partie rédaction de fun!

    Hmmm. Peut-être juste une tasse de Red Zinger, puis l'écriture ... Si vous avez des difficultés à s'y mettre, vous devrez peut-être faire un grand pas en arrière, et demandez-vous ce que votre épisode est vraiment. En fait, si vous ne pouvez pas résumer l'ensemble de votre script dans une ou deux phrases, alors vous n'êtes probablement pas prêt à commencer l'écriture. Dans Hollywoodland, ils appellent cela le «terrain», et c'est ce que execs créatifs vont vous demander dans les quinze secondes trajet d'ascenseur après que vous avez vous-même présenté comme un écrivain de télévision. «Quelle est la hauteur », ceux de nature diront et vous feriez mieux de faire tout ça avant que la cloche sonne pour le hall d'entrée!

    Un bon terrain devrait dire toute la parcelle de votre pilote ou spec, y compris des traits ou des défauts de caractère essentiel, en moins de temps qu'il faut pour manger un mini-scone au Starbucks. Il doit avoir un début, un milieu et une fin, et commencera généralement par l'introduction du personnage principal:

      Un père absent dont la vie est en proie à des erreurs ...

    Ensuite, décrivant le parcours du personnage:

      Se retrouve envoyé dans le temps à des intervalles aléatoires ...

    Et finit par résumer à un résultat inattendu:

      Seulement pour découvrir qu'il a été envoyé en mission pour protéger le monde, et le long de la voie sera donné la possibilité de corriger les maux de son passé.

    Ce n'est pas seulement un exercice de préparation à l'affûtage votre argumentaire va vous forcer à faire bouillir votre épisode jusque dans ses éléments essentiels, et vous aurez finalement se retrouver avec un meilleur script. Certains auteurs commencent même à une grande hauteur, puis travailler à rebours de l'étoffer dans un spectacle. Quel que soit votre approche, assurez-vous d'obtenir le terrain au début du processus physique, fera faire votre propre voyage beaucoup plus agréable.

    6) Quel personnage!

    La télévision est beaucoup de choses, mais une chose ce n'est certainement pas est subtile. Dans les films, les principaux points de l'intrigue peuvent se produire hors de l'écran, et les personnages principaux peuvent passer de bons morceaux du film ressassant grandes décisions dans un silence relatif. Mais pas dans la télé! En fait, l'une des principales différences entre les milieux est le in-your-facedness de la télévision, presque rien n'est laissé ouvert à l'interprétation, et les principaux points de l'intrigue joue toujours sur l'écran, sous les yeux de leur public affamés. Rappelez-vous toujours la télécommande de votre lecteur, assis sur sa table de café, montrant du doigt.

    Une des façons les écrivains de télévision garder leur public est accro, c'est grâce à la création de personnages très forts . En décidant de prendre votre casting pour un nouveau pilote, essayez de faire de chaque personnage comme radicalement différent les uns des autres que vous le pouvez. Un bon exemple de cela est l'exposition de NBC 30 Rock . Pensez aux personnages qui composent le groupe de Tina Fey de confiance (et politiquement incorrect) scribes: A slobby homme-enfant, un overeducated afro-américaine, un impressionniste abruti arrogant, un père de soccer mollasson, et Tina Fey elle-même, un 42-year- ancien bourreau de travail sans vie sociale et une dépendance à la restauration rapide. Juste en nommant les archétypes, vous pouvez voir le potentiel de conflit et d'humour lorsque ces personas duel sont coincés ensemble dans une salle de rédaction. Ajoutez à cela un Donald Trump-disant patron, une ligne droite-off-page de bureaux de bus, et les personnalités duel d'un couple d'acteurs exaltés, et vous avez vous-même un diable d'une demi-heure drôle!

    Alors, comment voulez-vous le projet de choix de caractères bien définis qui vais porter votre show à travers plusieurs saisons d'intrigues changeantes et poignant drame d'un dégustateur? Deux tours, en particulier, sont bien utilisés par les écrivains chevronnés. Première écrivez qui vous savez, mais sans les trucs ennuyeux . Déposez votre père, ou votre petite amie, ou votre mathématiques de sixième année enseignent dans le mélange, et voir comment ils s'en sortent à côté de votre chien métamorphe étranger ou de parler.Deuxième prendre des caractères d'autres émissions de télévision et intervenir dans votre propre. Si vous êtes à la recherche de la parfaite working-père, pourquoi ne pas Peter de Family Guy ? Ou Charlie de Two and a Half Men ?caractères d'emprunt peuvent être une excellente façon de définir la dynamique de votre fonte et d'aiguiser votre vision d'ensemble. Et ne vous inquiétez pas que votre script se développe, ces kidnapees prendront leur propre personnalité et de devenir votre propre. Alors amusez-vous! Choisir comme il vous plaira, ces astuces faciliteront personnages en développement et devraient exposer les forces et les faiblesses de votre équipe de soutien.

    Pour ceux d'entre vous écrire le prochain grand épisode de Ashes to Ashes , l'écriture d'un spec exige son propre travail. Sure-une bonne quantité de travail initial a été fait pour vous, comme tout spectacle vaut Specking devrait déjà avoir une ménagerie bien défini de marginaux. Votre travail est maintenant d'apprendre à mieux les connaître les écrivains qui ont mis bas 'em. Essayez d'écrire une page du point de vue de chaque personnage qui traite de leurs vies et de leurs conflits avec d'autres personnes sur le spectacle. Connaître vos personnages à l'intérieur et à l'extérieur est fondamental à la bonne structure de l'histoire et de dialogue. Donc faire le travail! Il sera inestimable que vous chargez tête baissée dans votre script.

    Que vous soyez pilotage ou Specking, une dernière chose à garder à l'esprit sur ​​les grands personnages de la télévision, c'est qu'ils ne changent jamais . Si vous avez regardé une saison finale HBO récemment vous avez repéré une rare exception, mais cette règle s'applique 99,5% du temps. Ce n'est pas un film-vos personnages peuvent apprendre , mais ils ne devraient pas être autorisés àcroître de manière significative. Qu'est-ce qu'ils découvrent dans un épisode devrait normalement être oublié par le suivant. personnages de la télévision devrait être limpide et mis en place en conflit évident avec les autres à partir des années pilotes. Le travail d'un écrivain de télévision est de maintenir cette dynamique initiale, parfois contre toute attente. Si vous écrivez une spec, n'essayez pas de prendre le spectacle dans une nouvelle direction audacieuse-bâton pour les personnages comme ils le sont, et de trouver un tout nouveau scénario dans lequel leurs personnalités et leurs attitudes seront toujours intact à rideaux en baisse .

    7) House Of Cards

    Si vous avez rassemblé une ébauche de votre spectacle et tracé chacun de vos personnages centraux, vous pensez peut-être "et maintenant?" Comment puis-je faire de tous ces personnages sympathiques et placer des points super-doux s'inscrivent dans une demi-heure script? Structurer un script peut sembler comme un château de cartes, mais ne le laissez pas! Prenez une respiration profonde, tirez ce bloc-notes, et continuez à lire. En peu de temps tout cela va sembler à peu près aussi facile que de trouver le plaisir dans une boîte de Cracker Jacks.

    Quel que soit le type de script que vous avez écrit, il est utile de penser à votre histoire en termes de nombre d' actes coincés entre une série de pauses publicitaires. La plupart des programmes commencent également à une courte, très comique ou très dramatique énigme qui est le seul du reste de l'épisode, mais met également en place le scénario principal ou le thème du script.Plusieurs spectacles finissent aussi avec un même court outtro qui paie une blague persistante ou point d'intrigue, appelé tag .

    Sitcoms demi-heure ont tendance à se dérouler de la manière suivante:

      teaser-commercial-Act I-commercial-Act II-commercial-tag

    Alors que d'une heure spectacles se déroulent généralement comme ceci:

      teaser-com-Act I-com-Act II-com-Act III-com-Act IV-com-tag

    Le premier acte dans une émission de télévision a tendance à être plus longs que les actes définitifs, et en programmes d'une demi-heure il ya généralement 15-18 scènes dans le spectacle ensemble. Dans les programmes d'une heure ce nombre augmente à environ 25. Le teaser et l'étiquette sont habituellement composés de seulement 1-3 scènes chacun.

    La règle de base est que l'on page d'écriture est généralement égal à un peu moins de une minute de temps d'antenne, de sorte que d'une heure drames ont tendance à être d'environ 60-70 pages, et des spectacles de réseau demi-heure ont tendance à être d'environ 40-50 pages. Si ce calcul semble fou, consultez la section Comment formater un script de télévision pour se renseigner sur les règles d'espacement étranges de certains types de scripts.

    Spectacles qui sont écrits pour le câble (et n'ont pas besoin d'être chronométré avec les pauses commerciales) ont tendance à être plus long, mais la structure acte-break est généralement traitées exactement de la même manière, en partie parce que de nombreux spectacles de câbles finiront dans syndication sur d'autres stations.

    8) En savoir Votre A, B, Cs

    Avant de comprendre ce que les points d'histoire devrait s'inscrire dans chacun de vos actes, il sera utile de penser à votre script en tant que descendant deux ou trois routes distinctes en même temps.

    Votre première route s'appelle votre A-intrigue , et c'est cette partie de votre script qui alimente les actions des personnages principaux dans le script, et pousse généralement l'histoire le long, comme dans: Oh non, la ville est sous attaque remercier bonté Rangers de puissance sont là pour combattre le monstre et nous sauver tous! Votre B-terrain est la partie de votre script qui exprime les enchevêtrements émotionnels et les problèmes de vos personnages principaux tangentiellement au scénario catastrophe qui se déroule, comme dans: de Carrie Bradshaw La vie peut être en ruines, mais attendez-qui dans le monde est que dreamboat? Laissez-moi sortir avec lui et de faire rapport à mes amis! une heure spectacles seront généralement aussi avoir un C-terrain , qui se concentre sur les vies parallèles de personnages secondaires, comme dans:fille les rebelles de Meadow Tony Soprano contre sa famille en datant un African Jewish étudiant américain à Columbia!

    Chacun de vos actes doit contenir une ventilation 60/30/10 de votre A, B et C parcelles, respectivement. Dans un spectacle d'une demi-heure sans C-terrain, le ratio devrait être plus proche de 60/40. Ce sont des estimations approximatives, cependant, et vous devriez vous sentir libre de prendre des libertés dans la façon dont vous organisez votre histoire. La ligne de fond est degarder votre spectacle en mouvement .

    Si le A, B, C sont négociables, la règle suivante est pas: Chaque acte doit se terminer par un véritable «cliffhanger». Loi sur les pauses sont la partie la plus effrayante de l'écriture », provoquent c'est là que vous allez perdre votre auditoire s'ils ne sont pas construits avec soin. Un cliffhanger peut être un «cliffhanger A-terrain", comme quand un personnage principal vient d'être tiré ou obtenu eux-mêmes mis le feu pour se présenter à travailler nu, ou il peut être un «cliffhanger B-terrain", comme lorsque votre personnage vient d'être embrassé par son béguin à long terme, ou sa mère aliénée a montré à l'improviste. Que vos cliffhangers sont basé sur des placettes ou émotionnel , ils ont toujours besoin d'être là, à droite smack dab à la fin de chaque acte. Toujours organiser vos scènes afin que vos gros, juteux, clignotement question-mark-moments tombent juste avant vos pauses.

    9) Talk The Talk

    Avant de se soucier de la façon de rendre vos personnages parlent comme s'ils étaient dans une émission de télévision, vous devez leur donner quelque chose à dire à propos . Honnêtement, c'est le meilleur des conseils sur la rédaction de dialogue vous entendrez jamais (merci Script Frenzy!). Ne jamais se trouver dans une situation où vous essayez de trouver des lignes intelligentes sans vous être assuré de ce que chacun de vos personnages vraiment veulent . Si vous connaissez vos personnages à l'intérieur et à l'extérieur (voir n ° 6) et de savoir quels sont leurs objectifs individuels sont dans chaque scène, votre dialogue va commencer à écrire lui-même. Sérieusement, vous pouvez simplement vous asseoir sur vos mains et regarder rouler sur l'écran!

    Ok, peut-être pas. Mais si vous vous rappelez ce que chacun de vos personnages sont essayant d'obtenir avant d'entrer dans chaque scène, vous trouverez écriture dialogue est beaucoup plus facile qu'il n'y paraît. Cela ne signifie pas qu'ils doivent venir juste et dire! Oh, ils doivent mentir, et taquiner, flirter et manipuler tout comme le reste d'entre nous. Mais savent ce qu'ilsvraiment veulent en dessous de tout, même si elle ne va jamais se produire.

    Maintenant saupoudrer dans certains conflits, et vous avez terminé! Le drame le plus intelligent et le plus spirituel comédie viennent toujours de situations très conflictuelles, et vous devez vous assurer que vous avez une bonne dose de cela dans chaque scène. La meilleure façon d'apporter votre conflit à un point d'ébullition est de mettre en place chacun de vos personnages » veut en conflit direct à tout autre caractère. Maintenant, ils ont une raison de parler les uns aux autres, et avec leurs motivations contradictoires, ils poussent et tirent les uns les autres à la fois essayer de le faire à leur manière. Ajoutez à cela quelques blagues et quelques références smart-alecky, et vous avez la télévision!

    Presque. Comme tous les aspects de l'écriture de la télévision, il ya très peu de place pour la subtilité, et votre dialogue ne doit jamais se sentir bien ... ennuyeux. Il ya une vraie différence entre le «dialogue» et de «conversation», et en particulier lors de l'écriture télévisuelle, vos personnages devraient être un peu plus nette, plus lumineuse et plus rapide que la plupart d'entre nous sont dans la vraie vie.

    Pour illustrer, prenons une scène du Season One de 30 Rock . Le personnage de Tina Fey, Liz Lemon, est pris à partie par son patron, Jack Donaghy, qui est surpris de découvrir que le petit ami de Liz vend buzzers. Dans la vraie vie cette scène pourrait jouer comme:

    Encore une situation humoristique, mais sans le zing de dialogue de bonne télévision. Voici comment ils ont géré sur 30 Rock :

    La même information est relayée, mais d'une manière qui est beaucoup plus percutant que ce que la plupart d'entre nous pourraient trouver dans l'instant.

    Enfin, toujours être sûr de lire vos lignes à haute voix . Vous n'êtes pas écrire un roman-ces mots sont destinés à être jouée par des acteurs, et vous pourriez être surpris par la façon dont différemment dialogue peut jouer à l'extérieur de votre tête. Si vous êtes courageux, inviter un ami à lire le script pour vous, et simplement écouter la façon dont votre script joue quand on lui parle. Vous pouvez aimer, ou vous voudrez peut-être jeter votre ordinateur portable par la fenêtre et se déplacer dans un autre pays. De toute façon, vous finirez avec un script fort!

    10) Big Picture

    Ces jours-ci, la plupart des émissions de télévision sont sérialisés , ce qui signifie qu'ils ont des arcs de la saison dans laquelle plusieurs scénarios mènent à travers d'un épisode à l'autre. Si vous aviez été un écrivain du personnel sur Extras , vous pourriez avoir été debout toute la nuit se soucier de la façon dont la transformation d'Andy de plus pour sitcom étoiles pourrait affecter la marque unique de paria humeur qui a fait la première saison de ce spectacle un tel succès. C'est pas votre travail comme un spec-écrivain! Votre spec original devrait sembler vaguement référentiel de la saison le plus récent de votre spectacle, mais ne pas s'enliser dans les détails. Si Brent LeRoy a décidé de devenir végétarien sur un épisode récent de Corner Gas , il peut certainement savourer une assiette d'œufs et des saucisses dans votre script!

    Les pilotes sont une autre histoire. Votre spectacle original demi-heure avec un gang d'adolescents multi-ethniques en passe de conquérir le monde de l'alimentation professionnel doit être cohérent et fondateur en même temps.Votre script doit avoir un début, un milieu et une fin, mais aussi mettre en place un paradigme qui semble irrésistible pour les saisons à venir. C'est le vrai truc de pilote écrit-faire pour créer un script qui introduit tous vos personnages dans un épisode concis, mais expose également une boîte de Pandore qui exigeront résolution en spectacle après spectacle après spectacle. Sarah et John ont peut-être soufflé jusqu'à la terminaison dans le pilote de The Sarah Connor Chronicles , mais c'est l'existence durable de Skynet qui motive le reste de la saison!

    11) Le plaisir est dans le ...

    Si vous ne pouvez pas terminer cette phrase, puis arrêter d'écrire, prenez votre maillot de bain, courir à la plage (ou baignoire) et faites de votre mieux saut périlleux dans la vague! L'écriture doit être amusant! Bien sûr, il ya des moments faibles, les moments ternes, les temps frustrant, et les heures que vous souhaitez utiliser votre script comme bois d'allumage, mais quelque part au fond de vous, rappelez-vous pourquoi vous avez mordu cet âne en premier lieu. Parce que vous pouvez faire tout un monde de personnages, les problèmes, et de bons moments. Parce que vous êtes drôle, et vous voulez que le monde sache.Parce que votre travail suce, et d'être un écrivain de télévision est beaucoup plus excitant que la manipulation des ressources humaines d'une banque hypothécaire. Quelles que soient vos raisons pour commencer dans cette voie, ils n'ont probablement pas changé. L'écriture est génial. Et vous êtes génial de vouloir être écrivain. Donc, pas plus procrastination! Retour à cela, mon ami!Vous y êtes presque, juste quatre vingt dix neuf pages et demie à gauche pour aller ...

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  • Logiciels d’Ecriture de Scénarios

    Puisque les scénarios ont tant de règles compliquées de mise en page, qu’il faut centrer, définir les marges, tabulations et autres, nous vous recommandons de télécharger un logiciel d’écriture de scénario avant de commencer. Le logiciel vous permettra d’écrire au bon format en un clin d’œil. Voici ceux que nous avons testés et appréciés...



    Final Draft
    Coût : $229.00
    Final Draft est l’Homme de la Situation quand il s’agit d’écrire un scénario. Si vous souhaitez écrire de manière professionnelle, il vous faudra acheter un exemplaire de Final Draft à un moment ou à un autre. Il s’agit comme on dit du logiciel de référence. Vous pouvez sauvegarder des scénarios Final Draft au format PDF, ainsi vos relecteurs préférés ne sont pas obligés de posséder eux-mêmes le logiciel pour pouvoir lire votre travail et vous faire part de leurs commentaires.

    Quelques unes des fonctions de Final Draft que nous aimons :

  • Utilisation facile : vous pouvez commencer à écrire dès que vous avez installé le programme. Ce logiciel intuitif va non seulement formater automatiquement votre scénario mais possède également un chouette outil appelé SmartType. Tapez quelques lettres d’un nom propre, d’un lieu, etc., et le reste s’affichera automatiquement.
  • Vue d’ensemble géniale : plusieurs vues générales de votre scénario s’offrent à vous. C’est un peu comme voir tout votre travail à vol d’oiseau.
  • Marque-pages et ScriptNotes : au fur et à mesure que votre histoire s’allonge les marque-pages vous permettent de vous déplacer facilement d’un endroit à un autre du scénario en un clic. Les Notes de Scénario (ScriptNotes) vous permettent de noter vos pensées, peuvent être imprimées séparément et n’affectent pas votre nombre total de pages.
  • Final Draft ouvre le fichier à la page où vous étiez lorsque vous avez refermé le document. Si vous écrivez votre histoire de manière erratique en passant d’une séquence à une autre ceci peut vous aider énormément !
  • Nous aimerions remercier Final Draft pour leur généreux don en nature à Script Frenzy cette année !



    Celtx
    Coût : gratuit
    Celtx c’est un peu un logiciel d’écriture de scénario en téléchargement gratuit qui fonctionnerait comme une version simplifiée de Final Draft. Et si vous voulez passer au niveau supérieur, Celtx contient aussi des outils de planification, d’écriture de story-board, et d’autres manières de travailler en équipe.

    Nos fonctions préférées de Celtx :

  • Le coût : c’est gratuit ! Oui, bon, on l’avait déjà dit mais ça vaut la peine d’être répété.
  • Outil de développement d’idée : c’est là où vous pouvez concrétiser vos idées. Les fiches de développement de scène, de lieu et de personnage aident vraiment à faire démarrer l’histoire. De plus, vous pouvez agrémenter vos pensées avec des fichiers audio, des images et des clips vidéo.
  • Story-board : charger vos images (par paquets !), ajoutez-y des annotations, et faites-les défiler pour vous aidez à visualiser votre projet.
  • Cartes d’Index : en un clin d’œil vous pouvez voir plusieurs scènes à la fois. J’aime bien les imprimer et les afficher sur mon mur.
  • Analyser le scénario : quand avril sera terminé et que vous serez à même de passer du développement à la pré-production, les outils de Celtx vous aide à analyser votre scénario. Vous pourrez annoter accessoires, éléments de garde-robe et distribution des rôles avec du texte, des images et des fichiers audio.


  • Scripped.com
    Coût : gratuit
    Scripped.com est un logiciel d’écriture basé sur le web qui ne nécessite aucun téléchargement de votre part. Parce qu’il est basé sur le web (à la manière de Google Docs) vous pouvez avoir accès à votre scénario depuis n’importe quelle connexion internet (allô, sessions d’écriture depuis votre lieu de travail !).

    Il possède une interface qui permet d’économiser du temps un peu comme celle de Celtx, donc passer des noms des personnages au dialogue ou à une description de scène devient un jeu d’enfant. Le point faible : il faut que vous soyez en ligne pour pouvoir travailler sur votre scénario.




    Plotbot.com
    Coût : gratuit
    Plotbot.com vous permet de travailler en équipe sur votre scénario, avec un logiciel d’écriture basé sur le web, parce qu’il a été mis au point pour des groupes ou des partenariats d’écriture. Si vous écrivez en équipe pour le Frenzy, Plotbot vous rend la tâche facile et vous permet de noter des commentaires et de réviser votre travail de manière intuitive.

    Le site est sympa et possède une communauté active d’écrivains de scénarios amateurs, et beaucoup de fonctions d’étiquetage créatives. Le point faible : l’interface de Plotbot exige que vous insériez chaque élément du scénario séparément, ce qui peut prendre du temps. Et comme pour Scripped.com, il vous faudra avoir une connexion internet pour pouvoir travailler sur votre scénario.

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  • Introduction au scénario

    Introduction au scénario


    Alors, vous allez écrire un scénario de film. C'est fantastique. Et si cela vous rend un peu nerveux, c'est aussi fantastique car cela veut dire que vous n'êtes pas seul. Après tout, l'écriture de scénarios n'est pas quelque chose que l'on apprend à l'école ou que l'on fait à un dîner. On a plus l'impression qu'il s'agit d'un art obscur pratiqué par des alchimistes reclus qui émergent de leur caverne uniquement pour une apparition trop courte lors de la soirée des Academy Awards.

    Cependant, la vérité est que l'écriture de scénarios de films est à la portée de simples mortels. La mise en page d'un scénario, que vous pouvez apprendre à partir de notre document magique de mise en page,est plus facile que d’assembler étagère IKEA et 20 000 mots ne nécessitent même pas de devoir démissionner de votre emploi (bien qu'il n'y ait rien de mal à rêver). En effet, si vous avez déjà raconté une histoire dans votre vie, vous possédez déjà les connaissances de base nécessaires à la rédaction d'un film.

    Ceci dit, nous avons inclus quelques astuces qui pourraient vous aider à rassembler vos idées autour de votre scénario et rendre un peu plus facile la rédaction du premier brouillon. Celles-ci servent à vous lancer; lorsque vous serez rendu plus loin dans l'écriture, de gentils elfes apparaîtront pour vous aider le long du parcours. Assurez-vous de garder quelques biscuits à portée de la main lorsqu'ils arriveront.

    1) Aidez le brouillon

    Tout le mois de juin sera généralement agréable si vous répétez simplement ces mots chaque matin devant un miroir : «Ceci est un brouillon. Ce n'est seulement qu'un brouillon.» Après tout, ils sont vrais. Vous êtes en train d'écrire un premier brouillon désordonné, imparfait. C'est le temps d'expérimenter, de prendre des risques et d'avoir des standards merveilleusement bas. Vous pourrez y revenir en mode perfectionniste et douloureusement prudent plus tard. Ou plus jamais.

    Pensez à ces histoires à demi apocryphes que les auteurs professionnels adorent raconter à propos de leurs piles de brouillons de scénarios qui presque aussi hautes que leur mentons, ou comment ils ont été secourus par les pompiers lorsque leurs montagnes de versions successives se sont effondrées et les ont cloués au sol. La morale est : même les professionnels écrivent et réécrivent et arrangent et massent pendant longtemps avant d'atteindre le trompeusement simple génie d'un grand scénario. En cet instant, vous et votre scénario êtes uniquement en train de vous lancer sur la route, vous regardant amoureusement, pensant « Ceci pourrait être le début d'une belle amitié ».

    2) Commencez à lire des films

    MLa plupart d'entre nous peut parler sans cesse de nos scènes de films préférées, des revirements de situations et des fins heureuses. Alors pourquoi, lorsque vient le temps d'écrire un film, nous sentons nous en territoire complètement incertain? Serait-ce le fait que bien peu d'entre nous ont réellement lu un scénario? Eh bien oui, cela se pourrait.

    Il y a un remède très facile et agréable à cela : lire des scénarios. Vous pouvez en trouver gratuitement sur Internet sur des sites tels Drew's Script-O-Rama etDaily Script, et Daily Script , et vous pouvez parcourir un film au complet en seulement quelques heures. Assurez-vous de lire le script original et non le script de tournage ou une transcription. Vous saurez que vous regardez la mauvaise version du script si vous voyez des scènes numérotées, des listes de plans ou des dialogues sans indentation.

    Premièrement, essayez de lire le script d'un film que vous connaissez et que vous aimez. Faites attention à la façon dont les éléments familiers du film – histoire, personnages, environnement – ont été décrits au départ en utilisant du texte. Vous serez probablement surpris de la façon claire et efficace avec laquelle un scénario est écrit, comment elle comprend seulement l'information requise pour raconter l'histoire. Regardez comment les scènes sont reliées entre elles, comment le dialogue découle, comment les obstacles sont créés et surmontés.

    Ensuite, lisez le scénario d'un film que vous n'avez jamais vu. Essayez d'imaginer le film terminé dans votre tête. Regardez ensuite le film et voyez comment le texte a été traduit dans un média visuel. Commencez à comprendre la relation entre le texte et le film. Commencez à apprendre la forme d'un scénario. Faites-le encore et encore et encore et vous n'aurez plus besoin d'autres astuces. Vous sentirez les scénarios dans vos os.

    3) Choisissez une idée qui vous stimule

    Jusqu'à un certain point, le vieil adage d' «écrire ce que vous connaissez» s'applique également aux scénarios, particulièrement pour les premières armes. C'est simplement plus facile d'écrire sur un environnement et des personnages familiers que d'inventer un jargon de la NASA réaliste ou des détails authentiques à propos d'une ruée de bêtes sauvages.

    Ceci dit, vous écrivez un scénario pour explorer quelque chose de nouveau, pour vivre une aventure, pour sortir de votre vie quotidienne. Vous – et vos personnages – ne passerez pas à travers 30 jours et nuits d'écriture de scénario si votre sujet est si familier qu'il vous endort. De plus, il n'y a pas assez d'androïdes, de nains, de meurtriers psychotiques et de génies criminels aux alentours pour écrire tous les films de science-fiction, d'horreur et et de crime. Quelqu'un doit sauter la clôture.

    Donc, écrivez une histoire qui vous stimule, que vous voulez raconter à vos amis, à laquelle vous pensez continuellement, qui serait un film que vous adoreriez aller voir. Ne vous inquiétez pas si c'est bizarre, pas à la mode ou qu’il n'y a pas de public. La meilleure chose que vous et votre scénario pouvez posséder est la passion.

    4) Pratiquez le PVP (plan, vente, prévisualisation)

    Bien que certains scénaristes professionnels définissent leurs films au complet avec un détail incroyable avant d'écrire un seul mot, le reste d'entre nous n'a pas le temps d'écrire une spécification de 100 pages ou une liste détaillée de scènes avant que juin ne dévale comme un astéroïde en direction de nos planètes personnelles. De plus, s'il s'agit de votre premier scénario, ce niveau de préparation ne sera probablement pas très valable si on considère tout ce que vous allez apprendre à propos de la vitesse et de la structure juste en écrivant – et tout ce que vous voudrez changer par la suite.

    Ceci dit, ça aide de connaître l'histoire générale que vous allez raconter avant de commencer. Le plan peut être aussi simple que : «Quand un jeune homme perd son foyer et sa famille, il s'allie à un groupe de rebelles en guerre et éventuellement réduit à néant un empire démoniaque en utilisant une force interne et universelle.» Tant qu'il y a un début, un milieu et une fin, vous êtes sur la bonne voie.

    (Par ailleurs, ces trois parties correspondent à la structure en trois actes utilisée dans tant de scénarios. Par peur de paralyser définitivement votre originalité, nous ne vous en dirons pas tellement plus sur la structure en trois actes – ou en sept actes, ou en un acte, ou n'importe quelle autre structure que vous pouvez retrouver en ligne ou même dans un séminaire à 1500 dollars. Rappelez-vous seulement que vous avez besoin d'un début, d'un milieu et d'une fin. Comme pour une bonne blague.)

    Une façon d'aiguiser votre histoire est de la raconter verbalement à des gens. Inventez une version de 1 à 3 minutes de votre histoire et racontez-la à votre conjoint, vos amis, votre chien. Remarquez ce qui les (et vous) stimule, quelles sections semblent plus vagues, où vous perdez leur attention, quelles sont les questions qui en ressortent. Ceci est une forme de vente et, bien que la vente est habituellement utilisée à Hollywood pour la vente d'un script, c'est toujours un bon moyen de déterminer si vous comprennez votre histoire et si elle peut réussir un examen un peu plus minutieux. Si vous vous retrouvez à dire «... Je ne sais pas, et puis quelque chose arrive et change tout,» vous souhaiterez peut-être vous asseoir et faire un peu de brainstorming à propos de la nature de ce «quelque chose» et de ce «tout».

    Une fois que vous avez un plan de base de votre histoire, il y a plein de façons amusantes de commencer à y penser en fonction de scènes principales et de revirements de situations. Une de ces façons est la prévisualisation. Essayez de vous asseoir et d'imaginer une bande annonce pour votre film. Quelles sont les images d'ouverture qui serviront à spécifier le ton? Comment rencontrons-nous le personnage principal? À partir de quel moment est le problème ou la problématique introduit? Et ensuite? Est-ce qu'il y a des moments tendus? Des extraits de dialogues amusants, révélateurs? Sur quel indice de résolution est-ce que ça se termine, laissant les spectateurs avides d'en avoir plus? Si vous avez le temps, choisissez une chanson ou une trame sonore pour votre bande annonce imaginaire (ou votre film en entier). Ou des images de magazines pour faire une affiche pour votre film. N'importe quoi qui vous stimule.

    5) Apprenez à connaître vos personnages

    Les gens ne vont pas au cinéma pour voir des situations effrayantes, romantiques ou stimulantes; ils vont voir des personnages mémorables réagissant à des situations effrayantes, romantiques ou stimulantes. Ce qui veut dire que votre but en tant que scénariste est de créer des personnages réels que le public voudra regarder, qu'ils tombent dans un volcan ou qu'ils tombent en amour.

    Aucune idée sur la façon de procédér? C'est correct de commencer avec simplement une image de base de votre personnage : une jeune femme paresseuse dans le début de la vingtaine qui ne vit que pour la course de motocross. Un professeur de rhétorique à Oxford dans la mi-cinquantaine qui rêve de devenir une star du rap.

    Mais ne vous arrêtez pas là car vous passeriez à côté du vrai plaisir. Essayez en fait de vous mettre dans la peau de votre personnage. Imaginez que vous êtes votre personnage principal et remplissez tous ces questionnaires amusants du magazine Cosmopolitan. Écrivez une annonce de rencontre. Passez un test de personnalité Meyers-Briggs. Remplissez une demande d'emploi. Demandez-vous «Qu'est-ce que cette personne mange, porte et écoute à la radio? Comment réagirait-elle si elle gagnait à la loterie ou si elle rentrait chez-elle et surprenait un cambrioleur ou si elle enlevait ses pantalons en public? Qu'est-ce qu'elle déteste? Aime? Pour quelle raison donnerait-il sa vie? Pour quoi tuerait-il? Comment a-t-elle fait pour aboutir à ce point dans sa vie au début du film?»

    En créant des personnages et en complétant leur personnalités et leur passés, n'ayez pas peur d'ajouter des défauts majeurs et des faiblesses. À moins que ça ne soit sur la rampe d'une parade de mode, la perfection est ennuyante à regarder. En fait, les meilleurs moments de films surviennent lorsqu'un personnage se retrouve face à face avec ses défauts ou ses faiblesses. L'imperturbable Indiana Jones? Terrifié par les serpents. L'adorable Annie Hall? Névrosée et spasmodique. Hannibal Lecteur? Regrettables goûts alimentaires.

    Finalement, ne vous concentrez pas uniquement sur votre héros, laissant le reste des personnages pris à Stéréotypeville. Les meilleurs scélérats possèdent une histoire riche et de la complexité; même les personnages secondaires méritent d'avoir des obsessions uniques et des caprices.
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    h3>6) Donnez à votre histoire un moteur d'un gazillion de chevaux-vapeur

    À mesure que vous travaillez sur vos personnages et sur les lignes directrices de l'histoire, il est pratique de se rappeler que ce que vous écrivez sera éventuellement vu d'une traite en deux ou deux heures et demie. Ce qui veut dire que votre film doit couvrir beaucoup de chemin en un temps très court tout en gardant l'audience clouée à son fauteuil alors que sa vessie est mise à l'épreuve.

    Considérant ces contraintes, votre histoire n'a pas beaucoup de temps pour lambiner ou tergiverser. Ce dont elle a besoin est d'un moteur qui peut passer de 0 à 120 dans le premier acte, grimper et survoler une chaîne de montagnes entière remplie d'obstacles et de reculs dans la section centrale et maintenir suffisament de vitesse pour naviguer directement vers la conclusion dramatique. Heureusement, vous pouvez démarrer ce moteur en trombe en ajoutant des situations et des motivations puissantes, significatives ou extrêmes dans votre scénario. Quelques exemples :

    DIRECTION : Rien de fait avancer une histoire plus qu'un personnage qui sait où il va. Il suffit de regarder les grands films sportifs comme La Bande des Quatre (Breaking Away) ou Rocky ou Le Grand Défi (Hoosiers) et vous verrez qu'ils sont entièrement propulsés par le désir accablant d'une personne ou une équipe d'être les meilleurs. Imaginez maintenant à quel point vous voudriez regarder ces films si les personnages principaux ne s'intéressaient que modérément la victoire. Ils s'effondreraient dès la première tension.

    OBSTACLE OU MENACE : Il n'y a rien comme une situation de vie et de mort pour donner un peu de tension à votre film. Independence Day, Coeur Vaillant (Braveheart) ou Misery sont tous des exemples de films populaires qui prennent leur carburant dans l'extrême des situations dans lesquelles les personnages se retrouvent.

    THÈME : Si vous écrivez un film terre-à-terre, vous vous demanderez peut-être ce que ces trucs à faire défoncer le box-office ont à voir avec vous. Mais le besoin de puissance s'applique aussi bien aux films de répertoire et aux films à personnages. Pensez au Cri des larmes (The Crying Game) ou Retour à Brooklyn (Requiem for a Dream) ou My Dinner With André. Ce qui en fait des films si prenants est leur traitement de thèmes universels et puissants : le désespoir, l'existentialisme, l'identité, l'amour. Leur moteurs ronronnent silencieusement, mais ils sont étonnament puissants.

    Alors commencez à regarder dans votre hangar mental pour quelque chose à utiliser pour construire votre moteur. Si vous êtes stimulé et ému par votre histoire, cela ne devrait pas être trop difficile à trouver.

    7) Accueillez le changement

    Que vous en soyez conscient au cinéma ou non, le changement est habituellement ce qui fait que les films soient aussi satisfaisants émotionnellement. L'intérêt de Spider-Man n'est pas de regarder un super-héros expérimenté se balancer entre les édifices et de botter le derrière d'un méchant; c'est de regarder un adolescent nerd et maladroit se transformer graduellement en super-héros qui se balance entre les édifices et qui donne des raclées. La puissance de Pour le meilleur et pour le pire (As Good As It Gets) n'est pas de regarder un Jack Nicholson misanthrope donner des coups de pied aux chiens, mais de voir sa croissance maladroite en réponse à l'amour. Et même si La Liste de Schindler (Schindler’s List) se déroule dans la vaste et émouvante réalité de l'Holocauste, le drame provient néanmoins du changement d'attitude d'un seul homme.

    Le changement, ou son absence, est aussi une des meilleures façons de révéler un personnage à votre public. Quand l'acteur de Tootsie se frotte à d'innombrables obstacles en se faisant passer pour une femme et qu'il persévère tout de même, cette absence de changement révèle sa détermination totale à son art. Quand il se débarrasse de son costume au sommet de sa carrière, ce changement de cap à 180 degrés prouve la profondeur de son amour pour sa co-vedette. Il a accompli un trajet de “centré sur lui-même et désespéré” à “réussite de soi et plein de compassion”. Et c'est très émouvant à regarder.

    Considérant l'importance du changement, ce n'est pas une mauvaise idée de coller un Post-It avec “VOUS AVEZ DU CHANGEMENT?” sur votre ordinateur portable ou sur votre front. En écrivant, allez de l'avant et mettez vos personnages dans des situations difficiles qui les forcent à choisir. Ne les laissez pas s'en sortir facilement : lancez leur des balles courbées, faites-les chevaucher des reculs, mettez les dans le sens contraire du trafic émotionnel. Est-ce qu'ils changent ou non? Pourquoi? Si vous leur donnez une motivation suffisamment puissante, ils feront des choix très intéressants. Si vous leur fournissez des défauts et des faiblesses, ils auront beaucoup d'espace pour grandir. Et le public adorera les accompagner sur la route.

    8) Action : écrivez un plan

    Contrairement à un roman, un essai ou un poème, qui sont des entités entières, un scénario est un plan pour un futur film. Il est au film ce que les partitions sont à un concert symphonique ou ce qu'un plan est à un édifice. Il vient au monde plus tard, dans un médium complètement différent.

    Ce que cela veut dire est que quand vous commencez à écrire, toute l'information d'un scénario doit éventuellement être traduite en images ou en sons, les deux langages jumeaux d'un film. Ceci est relativement facile à gérer quand on écrit un dialogue, puisque des personnes qui discutent se traduit plutôt bien en une image et un son. Mais écrire de l'action et des descriptions est une tout autre histoire. Particulièrement pour ceux qui ont écrit un roman ou une autre prose, ce processus de traduction – et ses pièges – nécessitent de s'y habituer. Ça se passe un peu comme suit :
    Vous écrivez :

    Sarah se tient à la fenêtre, pensant à ce que Jessie a dit dans le silo à grains. La manière dont il se tenait, nerveux, avec une main se grattant l'arrière du crâne lui donnerait toujours le goût de l'embrasser. Mais elle ne pouvait dorénavant plus le faire. Plus maintenant, sachant que c'est lui qui avait kidnappé le chien saucisse.

    Ce que le public voit :

    Sarah qui se tient à la fenêtre, regardant dans le vide pendant un bout de temps, puis fronçant les sourcils.

    Vous comprenez l'objectif : si c'est un dialogue interne ou un processus de pensée ou un souvenir ou n'importe quoi qui se trouve dans la tête de quelqu'un, ça ne se retrouvera pas sur l'écran à moins d'être traduit en une image et en un son. Mais ne paniquez pas. Si vous écrivez des pensées dans votre scénario, vous pouvez retourner en arrière et les traduire de façon visuelle et sonore. Comme ceci.
    Example: Putting it all together

    Vous voyez? Des standards de bas étage sont les amis de tout le monde.

    9) Dialogue : Faites-le réel et irréel

    Écrire de bons dialogues est une forme d'art de précision, en haut de la liste avec le curling et la diplomatie au Moyen-Orient. Et à part la bonne vieille pratique, la meilleure façon d'apprendre à écrire des dialogues est d'écouter la manière de parler de vraies personnes. Est-ce qu'elles sont laconiques ou bavards? Est-ce qu'elles utilisent de l'argot ou des idiomes? Comment leur sexe, leur âge, leur classe sociale, leur culture et leur personnalité est reflétée dans leur manière de parler et leur choix de mots?

    N'écoutez pas seulement vos amis et votre famille. Cherchez des personnes et des situations qui ressemblent aux personnages et à l'environnement de votre scénario. Assoyez-vous avec l'équipe de basket-ball du lycée; aller voir le discours d'ouverture dramatique de l'avocat d'un procès; parlez avec la serveuse qui mâche un chewing gum dans un café sur le bord de la route. Devenez un anthropologue linguistique et un détective de la diction. Et traînez un cahier de note dans votre poche en tout temps – ces petits échanges dans la vraie vie valent leur pesant d'or.

    Évidemment, après avoir écouté la façon de parler de vraies personnes pendant un certain temps, vous remarquerez quelque chose : personne n'est aussi amusant, brillant ou bref qu'on ne l'est dans un film.

    VRAIE VIE :
    «Ouais, je suppose que je savais que je t'aimais depuis ce premier jour, tu sais, quand je t'ai vu et que je disais “Wow, il est très cool”».

    FILM :
    «Tu m'as eue au “Bonjour”».

    Puisque personne ne va au cinéma pour voir des gens faire des “hem” et des “ha” ou de marmonner (bon, sauf pour ce Benicio del Toro inintelligible dans Suspects de convenance (The Usual Suspects)), il est acceptable de rendre votre dialogue plus vif, plus percutant et plus direct que réaliste. Il devrait être réel mais irréel.

    Le meilleur test : lisez votre dialogue à voix haute. Est-ce qu'il se déclame bien? Est-ce qu'il est trop long ou artificiel? Est-ce qu'il sonne vrai? Demandez à vos amis et vos proches de lire les autres personnages; demandez à ce joli garçon au café de lire la scène d'amour avec vous. Invitez des acteurs locaux à faire une lecture. Peu importe ce que vous faites, ne laissez pas le dialogue vous ralentir. Quand vous ne trouvez rien d'intelligent ou de spécifique à dire, écrivez quelque chose de banal et épicez-le dans le prochain brouillon. Votre meilleure ligne viendra plus tard, dans la douche, dans le métro et dans ces drôles de rêves que vous avez. Pour l’instant, continuez d’écrire.

    10) Amusez-vous

    Si vous avez des problèmes avec ceci, voyez l'astuce 1. Vous aurez amplement le temps d'être misérable et stressé une fois que les studios auront commencé à vous engager pour écrire des succès pour des centaines de milliers de dollars. Pour l'instant, savourez vos jours de salade Script Frenzy
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  • Comment présenter un scénario

    Comment présenter un scénario


    Bon. Voici le grand moment, celui qui vous causait de l'insomnie : la mise en page du scénario. Après avoir fait les cent pas, s'être rongé les ongles et s'être contemplé dans le miroir, nous ne savons pas trop comment vous l'annoncer solennellement, mais... c'est assez simple. Apprendre les règles du backgammon : plus difficile. Construire un feu sans papier journal : encore plus difficile. Trouver un maillot de bain qui améliore votre silhouette : absolument plus difficile.

    Mais ne nous croyez pas sur parole. Prenez une grande inspiration et poursuivez votre lecture.

    Le B-A-BA
    Environ 99% de votre script concernera seulement quatre éléments : les intitulés, l'action, les noms des personnages et le dialogue. Apprenez la mise en page pour ces Quatre Grands et vous êtes sauf.

    1) Intitulés («Sluglines»), also known as Scene Headings. These appear at the beginning of a new scene and tell us the scene's setting. They look like this:

    Iaussi connus sous le nom de «Entêtes de scène». Ils apparaissent au début d'une nouvelle scène et nous indiquent l'environnement de la scène. Ils ressemblent à ceci :

    INT. CHAMBRE FORTE DE LA BANQUE – NUIT

    Ou à ceci :

    EXT. STADE DE FOOTBALL – FIN D'APRÈS-MIDI

    Les intitulés sont constitués de ces trois éléments :

     

    2) Endroit. Où la scène se déroule. Ils devraient être courts : COMPTOIR DE PRÊT DE LA BIBLIOTHÈQUE ou PARC DE MAISONS MOBILES ou CERVEAU D'AL.

    3) Temps. Habituellement simplement JOUR ou NUIT mais peut être aussi spécifique que 4:59 AM (si la bombe doit être détonnée à 5:00, disons)

      1) INT. ou EXT. – Abbréviations pour Intérieur et Extérieur, ceci indique à l'équipe de production s'ils devront ou non prévoir de l'écran solaire lors du tournage.

    Les intitulés sont toujours EN MAJUSCULES. Il y a habituellement deux espaces entre INT. / EXT. et l'Endroit, puis un autre espace, un tiret, un espace entre Endroit et Temps.

    Occasionnellement, vous aurez besoin d'un Sous-Endroit pour clarifier l'Endroit. Ça ressemble à ceci :

    INT. MAISON DE DONALD – SALLE DE BILLARD – NUIT.

    Rappelez-vous, une nouvelle scène survient à chaque fois qu'il y a un changement dans le Temps, l'Endroit ou les deux. Vous écrirez donc beaucoup d'Intitulés.

    2) Action. Ceci décrit ce qui se passe à l'écran et quels personnages, s'il y en a, en font partie. Ça ressemble à ceci :

    INT. MAISON DE DONALD – SALLE DE BILLARD – NUIT.

    Béatrice avance à tâton dans la pièce mise à sac. Baguettes, livres, papiers – tout a été fouillé. Elle s'arrête pour ramasser la photo d'un jeune garçon.

    À part dans quelques exceptions dont nous parleront plus tard, l'Action suit les règles standards en ce qui a trait aux majuscules. On utilise l'interligne simple et le présent de l'indicatif. (Si l'action s'est produite dans le passé, l'Intitulé nous l'indiquera. Merci, Intitulé.)

    De plus, vous avez toujours besoin d'Action après un Intitulé, même si ça tient sur une ligne. Comme ceci :

    EXT. RITZ-CARLTON – JOUR

    La limousine s'enflamme.

    3) Nom du personnage. Ceci apparaît toujours au dessus du Dialogue et nous dit quel personnage parle. Ça ressemble à ceci :

      VERONICA

    Ou ceci :

      YO-YO PARLANT

    Les noms des personnages sont toujours en MAJUSCULES.

    Et parfois il y aura des personnages mineurs que vous ne voudrez pas nommer. C'est correct de les appeler simplement COMMIS ou PIÉTON ou SINGE GUERRIER. S'il y a plusieurs personnages du même type, ajoutez un numéro : FLIC #1 ou CULTURISTE #2.

    4) Dialogue. Les mots que le personnage prononce. Ça se présente comme suit :

    Exemple: dialogue indenté

    or this:
    Exemple: dialogue indenté

    Le Dialogue est à interligne simple et suit les règles standard en ce qui a trait aux majuscules (s'il est entièrement en majuscules, vous êtes probablement en train de lire un scénario de télévision). Contrairement au roman, il n'y a pas de guillemets autour du Dialogue, à moins qu'un personne ne cite quelqu'un.

    Maintenant, voici un exemple de la combinaison des quatre éléments dans une page :

    Example: All Four Elements

    Presto! Vous avez possédez maintenant les quatre fondations dont vous aurez besoin pour écrire un scénario. Avant de continer dans les points plus précis des variations, marges et autres détails, donnez-vous une bonne tape sur l'épaule.

    VARIATIONS D'INTITULÉS

    Maintenant que vous avez appris à rédiger un Intitulé standard, voici quelques variations qui peuvent se préduire dans des cas spécifiques:

    1) Si la scène commence dans un Endroit général, disons LA MAISON DE LAUREL, et qu'elle se poursuit alors que les personnages se déplacent entre les Sous-Endroits, comme la CUISINE et le SALON, vous n'avez pas besoin de répéter l'Endroit ou le Temps avec chaque intitulé. Vous pouvez faire ceci :

    Exemple: Intitulés à l'intérieur de Scènes

    Avec un peu d'aide de la part du contexte, nous comprenons que les deux personnages se déplacent dans la maison dans un temps continu.

    2) Dans la scène ci-dessus, quelques écrivains utilisent « CUISINE – EN CONTINU » pour mettre l'accent sur le flux régulier du temps. Mais ce n'est pas nécessaire. À la place, EN CONTINU est mieux utilisé pour des scènes stylisées où une conversation ou action se poursuit à travers plusieurs Endroits. Par exemple :

    Exemple: Action continue

    3) Enfin, si une scène se produit dans un Endroit, est suivie du même endroit mais se déroule plus tard, les mots PLUS TARD peuvent être utilisés dans l'Intitulé.

    Example: Action continue

    COUPURES ::

    Autrefois, il était standard d'utiliser les mots «COUPER À:» pour indiquer un changement de scène. De nos jours, la coupure qui vient avec un changement de scène est implicite à un nouvel Intitulé et COUPER À n'est plus tellement utilisé.

    Le meilleur temps pour utiliser COUPER À est quand vous voulez vraiment mettre l'accent sur la juxtaposition ou le changement entre deux scènes. Comme ceci :

    Exemple: Coupures
    Notez que vous pouvez voir des auteurs utiliser des termes comme COUPURE SAUT ou COUPURE SMASH pour indiquer des montages ultra rapides et très directs. Si utiliser COUPURE DE TYPE BRUCE LEE QUI FAIT DU KARATÉ vous fait vous sentir comme un méchant garnement, alors allez-y; sachez seulement que plusieurs pros considèrent que cela fait «amateur». De plus, peu importe la façon dont c'est écrit, une coupure se produit toujours en 1/24 de seconde - le temps qu'il faut pour passer d'une image à l'autre.

    SÉQUENCES D'ACTION :

    Écrire une séquence d'action peut demander de la pratique, alors que vous apprenez à traduire ce que vous imaginez en mots. Lire des scénarios d'action bien écrits comme Les Aventuriers de l'arche perdue (Raiders of the Lost Ark) ou La Filière française (The French Connection) peut certainement aider à vous indiquer comment c'est fait.

    En général, gardez à l'esprit que la façon dont vous écrivez l'action devrait représenter sa vitesse. Plus rapide est l'action, plus vous devrez la séparer en petits morceaux. Soyez à l'aise d'utiliser des fragments pour garder le rythme rapide. Vous pouvez aussi utiliser les majuscules pour mettre l'accent et attirer l'attention sur des éléments. Comme ceci :

    Exemple: Action

    PLUS DE DÉTAIL

    Parenthèses: Elles sont utilisées à l'intérieur du dialogue pour décrire ce qu'un personne fait simultanément, à qui elle parle ou la façon dont il parle. Elles ressemblent à ceci :
    Exemple: Parenthèses

    Les parenthèses sont toujours sur leur propre ligne. Si elles atteignent la marge de droite, elles se poursuivent sur la ligne suivante, tel qu'illustré plus haut.

    Les parenthèses prennent également de la place, ralentissent le rythme et ennuient les comédiens, qui n'aiment pas se faire dire la façon dont ils doivent dire leurs répliques. Donc, n'utilisez les parenthèses que lorsque leur absence mènerait à la confusion, comme dans ce cas-ci :

    Exemple: Parenthèses

    Voice Over (V.O.) : Utilisé quand un personnages ou un narrateur peut être entendu alors qu'il parle à partir d'un endroit inconnu (le futur, le paradis, l'intérieur de notre tête). Ça ressemble à ceci :

    Exemple: Voice Over

    Off Screen (O.S.): Utilisé quand un personnage dans la scène peut être entendu mais n'est pas présent à l'écran. Ça ressemble à ceci :

    Exemple: Off Screen

    Majuscules à l'intérieur de l'Action : La première fois que le nom d'un personnage apparaît dans l'Action, il est entièrement en MAJUSCULES.

    Plusieurs auteurs utilisent également les MAJUSCULES quand un effet sonore apparaît dans l'Action. D'autres écrivent en majuscules les objets importants. Ça se lit comme suit :

    MORTIMER râle et sort une poignée de cachets d'aspirine. La bouilloire SIFFLE. Mortimer sort un SUPER BLASTER SUB-PARTICULE et fait voler en miettes la bouilloire.

    Instructions de caméra: Celles-ci indiquent le point de vue de la caméra, la façon dont elle se déplace, le focus, etc. Les directions incluent les points de vue des plans, les travelings latéraux, avant et arrière, les soubresauts, caméras subjectives, gros plans, plans larges, etc.

    Il est incroyablement tentant, en tant que maître d'oeuvre de l'histoire, de faire la mise en scène de votre film sur la page en utilisant des instructions de caméra. Résistez à cette tentation. Vous n'êtes pas le réalisateur (pour l'instant). À moins qu'il n'y ait absolument aucun autre moyen de communiquer une séquence visuelle sur laquelle dépend toute l'histoire, laissez tomber les directions de caméra.

    Numéros de pages: Ils vont dans le coin supérieur droit. Il n'y a pas de numéro sur la première page d'un scénario.

    Numéros de scènes: NE METTEZ PAS de numéros de scènes sur vos scènes. Ils sont réservés au script de tournage et sont utilisés pour aider l'équipe de production à planifier l'horaire du tournage.

    Page couverture: Centré sur la page, ## lignes vers le bas, se trouve le titre de votre film EN MAJUSCULES, puis un interligne double et un «par», un autre interligne double, et «votre nom».

    Dans le coin inférieur droit, ## caractères vers la droite et ## lignes vers le bas, inscrivez votre nom, votre adresse de correspondance, numéro de téléphone, e-mail et, si vous avez décidé d'enregistrer votre script auprès de la Writer's Guild, votre numéro d'enregistrement de la Writer's Guild.

    POLICE DE CARACTÈRE, MARGES ET ESPACEMENT

    Les scénarios vivent sur du papier au format Lettre (8.5 pouces par 11). Ils sont toujours écrits avec la police Courier, taille 12, interlettrage 10. Sans gras ni italiques.

    Marges de pages :
    Gauche : 1,5 pouces
    Droite : 1 pouce
    Haut : 1 pouce
    Bas : 1 pouce

    Marges pour les éléments d'un scénario :

    • Intitulé : marge de gauche de 1,5 pouces
    • Action : marge de gauche de 1,5 pouces
    • Nom de personnage: marge de gauche de 3,7 pouces
    • Dialogue : marge de gauche de 2,5 pouces, marge de droite de 2,5 pouces (ou 6 pouces à partir du bord gauche de la page)
    • Parenthèses : marge de gauche 3,1 pouces, marge de droite 2,9 pouces

    Interlignage entre les éléments :

    • Entre Intitulé et Action : interligne double
    • Entre Action et plus d'Action : interligne double
    • Entre Nom de Personnage et Dialogue : interligne simple
    • Entre Dialogue et Nom du prochain Personnage : interligne double
    • Entre Dialogue et Action : interligne double
    • Entre Nom de Personnage et Parenthèses : interligne simple
    • Entre Parenthèses et Dialogue : interligne simple
    • Entre Action et Intitulé : interligne double
    • Entre Dialogue et Intitulé : interligne double

    Vous savez, il est probablement plus facile de se rappeler qu'entre une seule réplique de personnage, contenant le Nom du Personnage, le Dialogue et possiblement une Parenthèse, il y a un interligne simple entre les éléments. Entre n'importe quoi d'autre, interligne double.

    Modèles Microsoft Word :
    Américain (utilise les Styles)
    A4 avec système métrique (utilise les Styles)

    Modèle Open Office :
    Américain Pour ouvrir, sauvegardez ce template en utilisant «Enregistrer le lien sous» et ouvrez le ensuite à partir de votre bureau. Merci, Grady Pruitt!)

    Toujours un peu confus? Voici un court scénario qui vous guidera à travers la mise en page. Il a été écrit par notre Liaison municipale d'Orange County, TSEdiot, et met en vedette quelques membres du personnel de notre Office of Letters and Light!

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