• Tournage > Utiliser la camera

     

    1. Prendre en main sa camera

    préférez le format 16/9

    En ce qui concerne les réglages de la caméra, si vous êtes débutant je vous conseille d’utiliser le mode AUTO. Dans 90% des cas, il convient parfaitement : la caméra règle toute seule la balance des blancs, optimise l’exposition, règle la mise au point. Bref c’est parfait pour un néophyte. Voici tout de même quelques conseils :

    Réglez la caméra en mode 16/9 ! Ca donne tout de suite un aspect davantage cinématographique. Le 4/3 c’est la préhistoire, la plupart des télés et écran de PC sont aujourd’hui en 16/9, et même les chaînes de télé s’y mettent.

    Posez la caméra sur un trépied ! C’est fortement recommandé pour éviter de donner le mal de mer aux spectateurs : il n’y a rien de plus dérangeant qu’une caméra qui tremblote sans raison. Un trépied ça prend deux minutes à installer et c’est beaucoup mieux.

    Oubliez le zoom ! Le zoom pendant un plan ça ne se fait plus depuis Inspecteur Derrick . Ca fait vraiment kitsch et moche ( à moins que ce ne soit l’effet recherché !). Par contre vous pouvez très bien utiliser le zoom pour faire le cadrage avant de tourner le plan.

     

    Multiplier les plans ! Un film est plus intéressant s’il y a plusieurs plans et différents points de vue. Evitez donc que toute la scène soit filmée en plan d’ensemble fixe, c’est ennuyant (et c'est pourtant l'erreur que font beaucoup de débutants). Vous pouvez demander aux comédiens de jouer plusieurs fois la scène, en plaçant la caméra à des endroits différents, et en faisant notamment des gros plans sur les visages. Les différentes prises seront par la suite assemblées au montage. Mais attention aux faux raccords (c'est-à-dire une incohérence entre 2 prises : par exemple dans une prise le héros tient son livre de la main droite et dans l’autre de la main gauche).

     

    2. La prise de son

    utilisez un micro externe

    il est vivement conseillé d'utiliser des micros externes, car la plupart du temps les micros intégrés dans un caméscope sont d'une qualité médiocre. Faites particulièrement attention au vent ou bruits parasites qui peuvent se révéler catastrophiques au montage !

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    Tournage > La composition.Continuons avec cette partie consacrée au tournage. Vous découvrirez ici les secrets de la mise-en-scène et de la composition, ainsi que des petits conseils et astuces sur comment utiliser votre caméra et faire la prise de son. Voici les différentes parties qui vous attendent :

     

    • La composition et le cadrage : Quelles sont les règles et conventions à respecter pour composer les images de son film ?
    • Utiliser la caméra : Comment prendre en main sa caméra et réaliser la prise de son ?
    • L'éclairage : Comment éclairer sa scène ? Quelles astuces pour le faire avec un équipement minimum ?
    • Pour aller plus loin : quelques liens et références utiles si vous souhaitez approfondir le sujet.

    mise-en-scene

    Tournage > La composition

    Règle des trois tiers

    Le point le plus important concernant le cadrage et à avoir toujours en tête, ce sont les règles dunombre d’or ou encore des trois tiers, connues depuis la nuit des temps en peinture pour rendre les images harmonieuses. Je ne connais pas tous les ressorts mathématiques de ces règles (si ça vous intéresse, google est votre ami), mais en bref les trois tiers est une simplification de la règle du nombre d’or. On trace des lignes qui partagent l’image en trois parties horizontales et trois parties verticales. Ce sont des lignes de force ou ligne de tiers, sur lesquelles on placera de préférence les sujets intéressants de l’image. En effet, si le sujet est placé plein centre, cela crée souvent une symétrie trop marquée, monotone et peu intéressante. En plaçant le sujet de façon décentrée sur une de ces lignes, on crée un certain dynamisme dans l’image, ce qui la rend harmonieuse pour l’œil humain et renforce son esthétisme.

    Règle des trois tiers en pratique

    Cette règle, au passage valable également en photographie, n’est absolument pas à suivre à la lettre, et dans de nombreuses situations il sera préférable de ne pas l’appliquer. Disons que c’est plutôt un conseil, à vous d’expérimenter et de choisir ce qui vous parait le mieux.

    Règle des 180°

    C’est la deuxième règle d’or pour la composition cinématographique. Lorsque deux ou plusieurs personnages dialoguent ou se font face, la caméra doit toujours rester du même côté que ces personnages, et ne jamais effectuer une rotation supérieure à 180°. Si cela arrive, le spectateur est perdu car la disposition de la scène est totalement chamboulée : par exemple le personnage qui précédemment regardait à droite regarde maintenant à gauche. Tout en respectant cette règle, on peut ensuite appliquer le principe du champ/contre-champ pour les scènes dialoguées. Explication en images :

    explication du champs/ contre-champ
    illustration du champs/ contre-champ

    Règle des 30°

    Deux plans successifs ne doivent pas être tournés sans que la caméra ne se déplace d’au moins 30°. Sinon, les plans seront visuellement très proches, ils se ressemblent beaucoup, et l’œil humain interprétera ceci comme un seul plan dont des images ont sauté (à cause d'un mauvais encodage par exemple). C’est très désagréable, à éviter donc.

    illustration de la règle des 30 degrés

    Bord perdu

    Il faut toujours se laisser une marge sur le bord de l’image pour placer les personnages ou les objets importants. En effet, non seulement c’est plus harmonieux, mais surtout certains écran (TV ou vidéoprojecteur) ont parfois la fâcheuse tendance à rogner l’image, votre héros risque alors d’être coupé.

    Le regard

    Enfin, Il est toujours préférable de laisser de l’espace dans le sens du regard ou du mouvement, plutôt que derrière. L’image sera plus harmonieuse.

    toujours laisser de l'espace dans le sens du regard
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  • Scenario > Pour aller plus loin

    Voilà, j'ai abordé de manière très synthétique les notions de base concernant l'écriture de film (scénario, script et story-board), pour que vous puissiez dès maintenant vous lancer. Si l'écriture et la dramaturgie vous intéressent, je vous invite à approfondir ce sujet très vaste et passionnant. Voici quelques ressources qui pourraient vous y aider :

    L'écriture de scénarios de Jean-Marie Roth

    Un ouvrage de référence qui apporte toutes les notions théoriques de l'art dramatique, ainsi qu'une méthodologie très détaillée pour écrire votre scénario. 
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    L'art du Story-board

    Pour approfondir les techniques de story-board, je vous invite à consulter ce livre qui décrit avec précision toutes les étapes pour faire un bon story-board. 
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    Star Wars Storyboards: The Prequel Trilogy

    Pour les fans de la saga, un livre collector qui contient les story-board originaux de Star Wars! 
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    Si vous avez d'autres références en tête, n'hésitez pas à les partager dans les commentaires, et je les ajouterai à cette page.

     

    Je vous invite à continuer avec la partie suivante qui apportera les base de la mise en scène et du cadrage.

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  • Scenario > Script et storyboard, 2 outils complementaires

    Le Script : qu'est ce que c'est ?

    Utilisé au cinéma, vous pouvez vous en passer pour des petits films. Mais pour des films plus longs et compliqués, il sera un outil précieux pour l’organisation avant le tournage. Il s’agit en fait d’une version complétée du scénario. Pour faire simple, pour chaque scène il faut énumérer TOUT ce dont on aura besoin au moment du tournage : lieux du tournage, décors, acteurs, accessoires, etc. Par exemple, s’il est écrit dans le scénario : « le méchant sort un couteau de sa poche et poignarde le héros », il faut noter qu’on aura besoin d’un couteau, et éventuellement de quelque chose pour simuler le sang, et ainsi de suite. Il faut veiller à être vraiment très exhaustif et ne rien oublier pour ne pas avoir de mauvaises surprises le jour J. En pratique, ma méthode consiste à compléter le scénario par des annotations en rouge (bien sûr ce n’est pas ce qui est fait dans le milieu professionnel…).

    L’Etape suivante consiste à se procurer tout ce qui est énuméré dans le script : lieux, acteurs, figurants, accessoires… C’est parfois difficile sur des petits budgets, mais en pratique on arrive tout le temps à s’en sortir. Pour les décors, il faut faire des repérages. En théorie, pour filmer dans la rue ou dans les lieux publics, il faut une autorisation accordée par la mairie. Ne pas hésiter à demander à des restaurants, café, ou autres l’autorisation de filmer à l’intérieur, certains patrons sont très sympas et acceptent sans problème ( à condition de les remercier dans le générique !).

    Le Story-board

    Un exemple de storyboard très basique.

    En plus des deux documents précédents, il est possible (mais ce n'est pas obligatoire) de réaliser un story-board : C’est une sorte de bande-dessinée qui décrit tous les plans du film. J’ai bien dit une sorte de bande-dessinée, il n’est pas question de faire une oeuvre d'art et de passer des mois à faire des dessins très détaillés, c’est un simple outil de travail : de simples croquis annotés (par exemple avec les mouvements de caméra) suffisent. Il n’est pas nécessaire de savoir dessiner, des « bonhommes bâtons » peuvent très bien faire l’affaire.

    Personnellement, je n’aime pas trop faire de story-board : ça demande un temps fou de préparation, et ça gâche un peu le plaisir au moment du tournage : on se contente de tourner les plans qui ont été prévus. De plus je trouve que ça tue un peu la créativité : dans le feu de l’action on peut très bien avoir l’idée d’un plan original, auquel il était impossible de penser sans avoir la scène sous les yeux. Mais d’un autre côté, ça permet d’être très bien organisé, et de faire avancer le tournage assez rapidement le jour J. C'est à vous de voir !

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    Scenario > L'ecriture en pratique

     

    Attention, on ne le répètera jamais assez : un scénario n’est pas un roman ! Dans un scénario, il n’y a pas de recherche d'un quelconque style littéraire, c’est un simple outil de travail. Il faut donc rédiger les phrases les plus simples et claires possibles sans se soucier du style.

    LA NOTION DE POINT DE VUE

    Par ailleurs, la narration doit être principalement descriptive. La règle d’or pour l’écriture d’un scénario est d’utiliser le point de vue de la caméra (qui de ce fait sera celui du spectateur), et de ne décrire que ce qui sera effectivement à l’écran. Le point de vue est donc externe aux personnages, il est donc absolument interdit de décrire les pensées ou émotions de ceux-ci (contrairement à ce qu'on pourrait faire dans un roman). Par exemple, on n’écrira pas : « le héros est pressé car il est en retard », mais « le héros semble préoccupé, il marche à vive allure et regarde sans cesse sa montre ». Cette notion de point de vue est fondamentale ! Tout d'abord elle permet d'orienter votre écriture vers un langague visuel plutôt que écrit. En effet, certaines histoires ou idées se racontent bien avec des mots, mais il est parfois bien plus difficile de traduire ceci avec des images. Adopter dès le début le point de vue de la caméra permet d'éviter de se retrouver à se demander : "mais comment est-ce que je vais faire comprendre ceci au spectateur?".

    Par ailleurs, de manière pragmatique, ce style d'écriture permet de suggérer dès le scénario une certaine mise-en-scène :

    • "Le héros semble préoccupé" : on peut imaginer un gros plan sur son visage.
    • "Il regarde sans cesse sa montre" : on pourra choisir un plan sur sa montre.

    LA NOTION DE SCENE

    D'autre part, un scénario est découpé en une suite de scènes. Une scène est en quelque sorte l'équivalent d'un chapitre dans un roman. Cependant, le spectateur n'a en principe pas connaissance de l'existence des scènes, encore une fois il s'agit uniquement d'un outil de travail pour vous : le but est simplement de découper le film en différentes parties pour mieux s'organiser.

    Pour savoir comment réaliser ce découpage (qui parfois peut s'avérer arbitraire), on utilise systématiquement la règle suivante : on passe à une nouvelle scène lors de tout changement de temps ou d’espace. Ceci sera notamment utile pour organiser le tournage : si l'on suit cette règle, une même scène se déroulera dans le même décor et à la même heure de la journée, donc le tournage d'une scène pourra être fait au même moment.

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